MÚSICA ELECTRO
Hablar hoy en día de música electrónica equivale casi a hablar de música. Pocos son los trabajos, no sólo en las corrientes Pop sino dentro de toda la música compuesta actualmente, en las que no aparezca ningún sonido generado electrónicamente.
Todavía existen personas que afirman que la electrónica resta creatividad a la música. Pero el hecho es que antaño un compositor debía esperar para escuchar su propia sinfonía a que una orquesta se decidiese a tocarla, mientras que hoy, gracias a los sintetizadores, secuenciadores y ordenadores, puede escucharla antes de hacerla pública. La creatividad musical del compositor ha dado un salto impresionante. Hoy, el autor puede componer sin la tediosa mediación de partituras, conocimientos de solfeo y demás. Puede interpretar todos los instrumentos que aparecen en su trabajo, y diseñarlos a su antojo, con lo cual no se limita a crear notas, sino también sonidos. Incluso puede generar e interpretar en el teclado voces, coros, lluvias, ventiscas, cantos de aves, y cuantos sonidos captamos en nuestro universo, gracias a los muestreadores. Su dominio es total. Tiene en sus manos poder expresar todo lo que surge de su creatividad.
LAS DIVERSAS CORRIENTES
La música electrónica, sintetizada o por ordenador, no tiene estilo en sí misma. Se trata de música interpretada por instrumentos electrónicos. Sin embargo, y si bien éstos son usados habitualmente hoy en día, existen determinadas corrientes más propensas a su utilización, o pioneras en su momento. Tal vez la más representativa sea el conjunto de estilos cada vez mayor reunidos bajo la etiqueta de New Age (Nueva Era), que incluiría la Música Cósmica, la World Music, y otras. A continuación, ofrezco un repaso a los estilos más vinculados a la electrónica.
TECNO. Éste es el estilo más conocido de todos los vinculados a la electrónica. Es innecesario explicar en qué consiste. Lo que quizá no sepa todo el mundo es cuál fue su origen. El Tecno se gestó a fines de los años 60 y nació a principios de los 70. Alemania fue su cuna de nacimiento, y se le atribuye su paternidad al grupo Kraftwerk, que en 1971 ya hacía este tipo de música.
ROCK PSICODELICO, SINFONICO Y / O ESPACIAL. Es un estilo también bastante conocido, que cuenta en su historia con nombres como Pink Floyd, King Crimson, Genesis y otros. Podríamos también incluir bajo esta etiqueta (aunque no exclusivamente) a Mike Oldfield, Peter Gabriel, y otros artistas pop de difícil clasificación que han mostrado una relación estrecha con el universo electrónico. El boom de estos tipos de rock se produjo en los 60, con Pink Floyd como cabeza visible del sector más vanguardista, y alcanzó su madurez en los 70. Estos estilos podrían considerarse como el padre del Tecno.
MUSICA PLANEADORA. Denominada también Cósmica o Ambient, y conocida en sus inicios como Nuevo Rock Alemán, por ser Alemania el país de donde surgió con más fuerza. Sus orígenes son muy complicados. Si nos atenemos al arte y no a la tecnología, Bach, Debussy o Wagner podrían haber estado haciendo este tipo de música. De hecho, la música cósmica típica es una fusión de clasicismo y nuevas estructuras musicales, que incorpora melodías ensoñadoras y ritmos complejos. La Música Planeadora es el estilo más marcadamente electrónico de todos. A menudo sirve de banco de pruebas para prototipos de sintetizadores, y es el destinatario de mucha de la tecnología musical más sofisticada. La gran explosión de tecnología musical de los años 70 tuvo en la Música Cósmica su principal receptor.
MUSICA ELECTROACUSTICA / CONCRETA. Esta corriente, en su continua búsqueda de nuevos caminos sonoros por explorar, produjo la más memorable serie de exploradores de la música electrónica previos a la aparición de los primeros sintetizadores manufacturables a gran escala. Gente como Milton Babbit o Mauricio Kagel, entre otros, son pioneros en la producción de música exclusivamente electrónica.
MUSICA MINIMALISTA. Podría describirse como música repetitiva, que ha heredado algo de la Electroacústica y algo de la Planeadora. Entre los artistas más destacados de esta corriente cabe citar a Steve Reich y Philip Glass.
JAZZ ELECTRONICO. Como es bien sabido, dentro del jazz existen numerosos estilos. Algunos de ellos pueden etiquetarse como Jazz Electrónico, debido a que en ellos los instrumentos típicos del Jazz han sido sustituidos total o parcialmente por sintetizadores. El ejemplo más claro es el del compositor brasileño Wagner Tiso.
Al margen de estos géneros, otros se han beneficiado también, aunque en mucha menor medida, de los sintetizadores y otros instrumentos electrónicos avanzados. Incluso ¡la Música Clásica! ha tenido memorables grabaciones electrónicas. Aunque los compositores clásicos no dispusieran en su época de sintetizadores, la suya, y más concretamente la de ciertos autores, es una música que se presta fácilmente a su interpretación mediante sintetizador. Por eso tuvieron tanto éxito a fines de los años 60 las obras de Bach interpretadas al sintetizador por Wendy Carlos. O las de Debussy, Stravinsky, Prokofiev, Strauss y otros tocadas por Isao Tomita.
Podríamos seguir tratando de poner etiquetas para definir distintos estilos dentro de cada una de estas corrientes, pero sería etiquetar por etiquetar. La propia imposibilidad de definir con palabras la música hace que a menudo las etiquetas sean ambiguas, y por eso sólo es conveniente usarlas para definir campos muy amplios. Sin duda la única etiqueta precisa es la de cada autor.
LA PREHISTORIA
Los inicios de la música electrónica se remontan a mucho antes de lo que se suele creer. Concretamente, hay que situarse en las postrimerías del siglo XIX, cuando se crearon, de manera bastante desapercibida para el público de entonces, extraños instrumentos musicales parcialmente eléctricos, tales como el Clavicémbalo Eléctrico, los Pianos Electromagnéticos o el Arco Cantante. Las referencias que se conservan hoy son escasas y confusas, dado que tales inventos no recibieron por parte de la sociedad una atención mayor que la propia de raros cachivaches de feria sensacionalista. Aún así, en Alemania ya existían periodistas técnicos que profetizaban el nacimiento de la música electrónica, manifestando, ante la incomprensión y la burla de sus contemporáneos, que la electricidad sería en el futuro responsable de un giro total en la concepción instrumental de la música.
El primer instrumento enteramente electrónico fue el Telarmonio, inventado en 1900 por Thaddeus Cahill. La música interpretada con este aparato se transmitía a domicilio a los interesados por medio de las recientes redes telefónicas. Esto supuso además la primera experiencia de Hilo Musical. Importantes logros para un importante tiempo. Aquélla fue la época en que germinó el espíritu científico que habría de hacer posible con el paso de las décadas la revolución de los instrumentos eléctricos dentro de la música, desde los más simples como la guitarra y el órgano eléctricos, a los más complejos como el sintetizador y el sampler. Sin embargo, durante aquellos años, los instrumentos electrónicos y la propia música electrónica fueron dominio exclusivo de inventores solitarios, generalmente incomprendidos por una sociedad victoriana aferrada a los conceptos musicales tradicionales.
LOS ASOMBROSOS AÑOS VEINTE
Tras la Primera Guerra Mundial, se produjo un notable incremento de nuevos instrumentos musicales electrónicos. En Alemania, Jorg Mager inventó un instrumento electrónico sin teclado, cuyas notas musicales se determinaban girando una manivela que regulaba la frecuencia del sonido. También construyó un órgano electrónico de tres teclados, que incorporaba diversos timbres, y el calidófono, instrumento monofónico de teclado que permitía mezclar sonidos.
El ruso Lev Termen (o Lev Theremin en la transcripción francesa) creó el Termenvox, conocido también como Theremin (derivado de su apellido). Este instrumento carecía de teclado. Las notas sonaban moviendo las manos ante unas antenas que surgían del aparato, singular mecanismo de interpretación que recuerda al del Arpa Láser tocada por Jean Michel Jarre. Los instrumentos electrónicos se multiplicaron.
El Terpsitone fue una especie de hermano mayor del Termenvox, capaz de ampliar su acción musical al movimiento de todo el cuerpo, con lo cual, tocar este instrumento se efectuaba mediante la danza. El Ritmicon era un precursor de los actuales secuenciadores. Además de estos instrumentos, Lev Termen diseñó un violoncelo eléctrico, una primitiva caja de ritmos, y un instrumento electrónico provisto de teclado. Hugo Gernsback, el inventor del término ciencia-ficción, y editor de relatos de ese género, diseñó el Pianorad, dotado de un teclado polifónico.
Aparecieron en Francia el órgano electrónico Givelet-Coupleaux, que proporcionaba hasta 76 sonidos diferentes, y el Ondes Martenot que tuvo un éxito lo bastante duradero como para ganarse un puesto propio entre los instrumentos musicales convencionales.
El éxito de la música interpretada con tan singulares instrumentos no se hace esperar. Lev Termen realiza giras musicales por toda Europa, y se instala en EE.UU. Toca sus instrumentos con la Orquesta Filarmónica de Nueva York.
Aparecen interpretes especializados en instrumentos electrónicos, como por ejemplo Clara Rockmore, una legendaria virtuosa del Termenvox, y se componen obras de música electrónica (o semielectrónica) como por ejemplo Electric Symphony (1932), o Symphonic Mystery for Termenvox and Orchestra (1924), además de diversas bandas sonoras para películas.
LA DECADENCIA
El gran interés que en la sociedad industrializada despertaban los instrumentos electrónicos por ser una sorprendente novedad técnica, se apagó a fines de los años 30. Y puesto que la música que interpretaban era convencional, o bien demasiado compleja y dispersa, la embrionaria música electrónica dejó de atraer al público de la época. Existía la tecnología, pero no un bagaje artístico-cultural que permitiese aprovecharla para crear una música plenamente diferente, cuya esencia se hallase en el alma de esa tecnología, no en adaptaciones de estilos desarrollados en base a los instrumentos acústicos. El progreso técnico logrado estaba demasiado por delante del cultural.
A causa de todo ello, la conmoción suscitada por la música electrónica cesó al acabar la década de 1930. Lev Termen regresó a la URSS. Jorg Mager murió. El inicio de la Segunda Guerra Mundial dirigió la atención de la sociedad hacia otras cuestiones más prioritarias que la investigación de nuevos lenguajes musicales, y las aguas del olvido engulleron la llave que podía haber abierto un nuevo universo musical décadas antes de la época en que ello fue por fin posible.
servido por lauriki
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INTRODUCCIÓN
La música pop ha conocido en su historia tres olas y quizás hemos entrado en la cuarta. El rock and roll nació en 1955 y se apagó como tal en 1958. Cinco años mas tarde, la presencia de los Beatles desató otras de las grandes olas que se extendió aproximadamente hasta el 68. La tercera de estas olas nació en 1975, con las primeras grabaciones del sonido discoteca y falleció de agotamiento en los 80.
¿Por qué se han escogido estos movimientos como clave de cada una de las "olas" y no otro cualquiera , como el soul, el jazz rock, el blues británico o el reggae?. Existen tres razones:
1ª. Cada uno de ellos ha significado la corriente predominante de toda una década: el rock and roll en los cincuenta, el beat británico en los sesenta y el disco sound en los setenta.
2ª. Han supuesto un crecimiento gigantesco en la industria discográfica, batiendo récords anteriores. Elvis presley pulverizó las marcas de ventas de Frank Sinatra y Bing Crosby; los Beatles superaron las de Elvis y el sonido disco se situó en unas cotas impensables unos años antes.
3ª. Cada una de estas tres olas ha impregnado profundamente toda la música posterior. El acompañamiento del rock , las armonías de los Beatles con sus acordes finales sorprendentes, que aparecen y reaparecen una y otra vez en toda la música de los setenta; los hallazgos técnicos y rítmicos del sonido disco marcan toda la música de los ochenta
Pero como ocurre en cualquier otra actividad, los períodos entre dos olas no son tiempos muertos sino todo lo contrario. Seguramente nunca se hicieron tantas y tan buenas canciones como en la etapa 1958-62 (la high school), en que se había apagado el rock and roll y aún no habían surgido los Beatles. El interregno entre éstos y el sonido disco es enormemente productivo: jazz rock, salsa, blues británico, sonido Filadelfia, heavy metal rock...todo un mundo de experiencias que nunca caen el vacío. Por otro lado en la década de los 80 se vuelve la vista atrás otra vez con ciertas adaptaciones como el rock autóctono, el reggae, el punk o la new wave y se introduce una enorme renovación en cuanto a la instrumentación con la adaptación de la cibernética, así los instrumentos electrónicos van desplazando unas veces y conviviendo otras con los instrumentos tradicionales.
I. LOS ORÍGENES
II. LAS PRIMERAS FIGURAS DEL ROCK AND ROLL
III.PRIMER PERIODO DE TRANSICIÓN
HIGH SCHOOL
En el plazo de un año, 1958, Elvis presley se marcha al servicio militar, Chuck Berry ingresa en prisión, Little Richard se convierte en predicador, Buddy Holly se mataba en un accidente aéreo y Jerry Lee Lewis sucumbe al escándalo de una boda "maldita" con una belleza sureña de trece años.
Puestas así las cosas, los editores de las casas discográficas se pusieron a buscar nuevos ídolos capaces de cubrir el hueco dejado por tal cúmulo de coincidencias, surgiendo así una generación de ídolos juveniles, en edad escolar, muy bien reflejada en "American graffitti" o "Grease", son los teen idols o high school.
Las dos figuras que polarizan la atención del momento son Paul Anka, un canadiense de origen turco, que triunfó con "Diana" y Neil Sedaka con "Oh Carol"
FOLK,CANCIÓN PROTESTA
La historia de la música pop sería incomprensible sin conocer las interacciones que se fueron produciendo entre el ritmo rock y las músicas que con él convivían. Y a principios de los 60 surgió el folk, una corriente musical que tenía menos que ver con las nuevas experiencias de la juventud americana que con las viejas tradiciones.
Sus antecedentes se sitúan en los años 30 y en un lobo solitario que fue Woody Guthrie, a su lado creció y aprendió Peter Seeger, que consiguió hacer popular la música folk en los circuitos comerciales, la suya fue una batalla política y musical
Cuando en 1959 los organizadores del prestigioso festival de jazz de Newport decidieron abrir una sección dedicada al folk, no sabían que estaban colaborando a crear una de las grandes fuerzas sociales de los 60: la de la canción protesta, las grandes sentadas pacifistas, la quema de las cartillas de militarización. Aquel 1959 salía consagrada de Newport una universitaria de origen mejicano llamada Joan Báez, pacifista acérrima y poseedora de una bellísima voz de soprano.
Cada cual se lanzó a la aventura de denunciar la injusticia con canciones, con ello nació el término de "canción protesta", rápidamente desvirtuado por manejos comerciales
En España surgieron movimientos similares como la nova cançó catalana, con nombres como Raimon, Serrat, Pi de la Serna, entre otros y en Madrid Hilario Camacho, Elisa Serna...También cabe mencionar a Mª del Mar Bonet, Pau Riba o Paco Ibáñez.
Uno de los músicos más geniales del momento fue Robert Zimmerman, más conocido como Bob Dylan, judío de origen nace en 1941 cerca de la frontera canadiense, su nombre parece que lo tomó por admiración hacia el poeta Dylan Thomas, aunque él lo negase más tarde. Su biografía está llena de exageraciones. Fue un gran admirador de Woody Guthrie. Su estrella comienza a brillar en los conciertos que se organizan en Washington Square, núcleo del Greenwich Village neoyorquino, verdaderos "happening", que en un momento llegaron a ser prohibidos por las autoridades por la repercusión entre el público de esta forma libre de expresarse. Alcanza la fama definitiva con "Blowin in the wind" y desde entonces cada uno de sus álbumes es un aldabonazo en la conciencia colectiva del mundo.
IV. SEGUNDA OLA DE LA MÚSICA POP.LOS BEATLES Y LA INVASIÓN BRITÁNICA
En 1962 aparece en Liverpool un grupo formado por dos guitarras, un bajo y una batería, son los Beatles, que suponen una verdadera revolución dentro del panorama musical: ante todo constituyen una síntesis entre el ritmo del primer rock y la tradición coral inglesa. En 1962 lanzan su primer disco "Love me do" y durante siete años fueron la primera fuente de exportación británica. En 1964 llegan a Estados Unidos y consiguen marcas imposibles de superar, como el hecho de colocar simultáneamente cinco canciones en los cinco primeros puestos de las listas de discos pequeños y dos álbumes en los de las listas de LP's.
Su influencia fue enorme en todo el mundo y sus canciones fueron traducidas a todos los idiomas, en España lo hicieron los Mustang y su réplica fueron los Brincos.
Pero lo más importante del grupo británico no fueron sus récords, sino su capacidad para evolucionar por delante de sus competidores. Empezaron con la psicodelia, iniciaron la penetración de instrumentos y ritmos hindúes, utilizaron grandes orquestas en sus discos, fueron precursores del rock sinfónico, devolvieron al público el gusto por el rock, hicieron letras sociales...y para ello se basaron en su innegable talento, en las armonías de gente como Everly Brothers o Buddy Holly y en los ritmos de grupos como Marvelettes o Shirelles, muchas veces despreciadas en su propio país.
LA INVASIÓN BRITÁNICA
Junto a los Beatles surgieron en Gran Bretaña otros grupos que, entre los años 1964-65 invadieron literalmente el mundo de la música pop, fueron the Animals y los Rolling Stone, estos últimos representaron la cara agresiva del pop inglés, que entroncaba directamente con el rhytm and blues y contrastaba en cierta medida con la imagen educada y asimilada de los Beatles.
La lista de grupos nacida en la estela de este trío resultaría interminable, pero entre ellos algunos nombres resultan valiosos como demostró después su propia evolución, así los Moody Blues, que desembocarían un par de años más tarde en el rock sinfónico, los Bee Gees, puntales luego del sonido disco o los Who, autores de óperas rock como "Tommy" o "Quadrophenia".
En España destacaron los Bravos, que consiguieron imponerse en el mercado inglés gracias a su cantante de origen alemán Mike Kennedy, su carrera fue breve pero sirvió para demostrar la internacionalidad de la música pop.
V. LA REACCIÓN AMERICANA
Ante la avalancha de grupos y cantantes ingleses los músicos americanos contraatacarían en tres frentes simultáneos: la música chicle, el soul y el folk-rock junto al movimiento hippie.
La música chicle no era más que la prolongación de aquellas canciones de la high school, sencillitas y comerciales pero efectivas. Algo parecido a lo que en España se conocía como canción veraniega. Son grupos de este momento los Monkees o los Archies, cuyas canciones como "Sugar, sugar" quedaron para siempre en la cumbre de los éxitos.
El soul music viene a identificar la música negra cantada con "alma" y supuso su entrada en los circuitos comerciales así como su aceptación por el público blanco. No se trata de un movimiento unificado pues partió de dos puntos de características muy distintas, así el soul de Memphis venía del sureño estado de Tennesse y el de Detroit nacía en el norte industrial y tenía connotaciones más urbanas.
En Detroit nace la primera productora de discos montada por gente de color, la Tamla Motown y lanzó a figuras como Las Supremes de Diana Ross, Marvin Gaye y un niño prodigio llamado Stevie Wonder, que con el paso de los años se convertiría en el más importante músico de color de toda la historia pop. Un ritmo suave y melodías apoyadas en los contrapuntos que destacaban los coros de la casa daban una sensación de elegancia característica del soul de Detroit..
Por su parte el soul de Menphis dependió de un hombre que lo hizo absolutamente todo;: Otis Redding, escribió sus propios éxitos y los de figuras como Aretha Franklin, Wilson Pickett y otros. El estilo de Menphis es el sentimiento por encima de todo tomado de la música espiritual negra y de los riffs (serie de notas breves y de mucha fuerza repetidas como contraste de la melodía principal) de metal tomados del jazz de Count basie.
Otras figuras que continuaron el estilo de Otis Redding, muerto en accidente de avión, fueron Isaac Hayes, padre de soul sinfónico que desembocó en el sonido Filadelfia y Barry White.
Hubo otros grandes nombres que no se encuadraron en ninguno de estos movimientos organizados: Ray Charles "El Genio", James Brown, Ike y Tina Turner...
FOLK-ROCK
En 1965 un grupo neoyorkino, los Byrds, tuvo la idea de dar un poco más de ritmo a una canción de Bob Dylan "The tambourine man", unos meses más tarde el mismo Dylan enarbolaba una guitarra eléctrica. El folk-rock estaba lanzado y todo el mundo empezó a poner en ritmo rápido las baladas lentas o las canciones de los folksingers.
Pero aquello fue sólo el principio, del folk-rock se pasaría al country -rock y más tarde al country -pop, facetas todas ellas del encuentro de la guitarra eléctrica con las baladas de los folkloristas.
Dentro de este movimiento se configura la carrera de Simon y Garfunkel, que saltan a la fama tras el éxito de su tema "The sound of silence".
Por otro lado Crosby, Still & Nash, con el posterior añadido de Neil Young fueron el gran grupo de country- rock y los creadores de una nueva forma de expresión.
Ya en 1972 el grupo Eagles fue el mejor defensor del country- pop, un estilo que perdura a pesar de no ser una música predominante en ningún período.
HIPPIES
A mediados de los sesenta las juventud del mundo empezó a fumar "marihuana" como un símbolo más de rebeldía junto al rock and roll y los pelos largos, pero llegó la química y todo el mundo se puso a hablar del ácido lisérgico, o más exactamente de sus iniciales, L.S.D. Y así nació la psicodelia, palabra que venía a definir el estado de percepción sensorial expansiva en el que el ácido sumía a sus fieles.
Simultáneamente y como rechazo a un mundo cada vez más agresivo surgen en San Francisco los hippies, son los hijos de las flores, pacifistas a ultranza, discípulos de la teoría de la no violencia de Gandhi, se pintan la cara y se llenan el pelo de flores. Cantantes surgidos en esta vertiente naturalista son Mama's and the Papa's o Melanie con su "Beautiful people".
Por otro lado y también desde California surgen grupos de rock más duro, partidarios de una música fuerte; los adelantados de este rock ácido (por influencia del L.S.D., de ahí su nombre) fueron Jefferson Airplane y Grateful Dead.
EL BLUES BLANCO
Los nombres más relevantes de esta corriente que ven en el blues la salvación de la música pop, que estaba cada vez más adocenada por la búsqueda del éxito en las listas fueron John Mayall, británico, el "padre del blues blanco", Janis Joplin, tejana, de una voz desgarrada y potente, que murió prematuramente por sobredosis y Jimi Hendrix, que convirtió la guitarra eléctrica en un instrumento distinto, de una expresividad inédita
Este movimiento supone un regreso a las raíces del Rtym and blues, con grandes instrumentistas y capacidad de improvisación. También cabe destacar a The Cream, con Eric Clapton ("mano lenta", por la facilidad con que tocaba los rifss y solos más enrevesados).
ROCK SINFÓNICO
En 1967 los Beatles incorporaron una gran banda para su álbum "Sgt. Pepers" y su canción "All you need is love", poco antes ya habían utilizado una sección de cuerda en su "Eleanor Rigby". Las orquestas convencionales que parecían superadas y despreciadas por el buen rock empiezan a encontrar su sitio en la nueva música joven.
También en 1967 debuta el grupo Pink Floyd un año más tarde el grupo Yes, pero el gran aldabonazo lo da Moody Blues, que en unión de la London Festival Orchestra edita un álbum titulado "Days of future passed", consiste en una serie de canciones enlazadas temáticamente (incluida sus "Noches de blanco satén") a la manera de una suite clásica. Este álbum supuso una declaración de intenciones de la nueva corriente musical que pronto se conocería como rock sinfónico.
Génesis, Mike Oldfield y Jean- Michel Jarre también se acogieron a este nuevo estilo que pronto se liberó de la servidumbre de la orquesta gracias a los hallazgos técnicos, así con sintetizadores se podía reproducir cualquier sonido, secciones de cuerda o metal, grandes corales e incluso orquestas enteras.
VI. TRANSICIÓN ENTRE DOS DÉCADAS
A finales de los sesenta estaba claro que la segunda ola de la música pop había pasado. La primera la había creado la explosión universal del rock and roll y duró de 1955 a 1958. La segunda tenía protagonistas más concretos, los Beatles y se extendió de 1963 a 1968. En años sucesivos se escucha a Jimi Hendrix, el blues británico de Cream, un rock tecnificado y a una serie de grupos norteamericanos e ingleses que aportaban nuevas ideas para salir del atolladero en que se encontraba metida la industria discográfica, así se producirá la eclosión de los cantautores y todo un ramillete de nuevas tendencias: rock duro, jazz- rock, salsa, el glamour-rock, etc...
Uno de los nuevos caminos que aparecen a finales de los sesenta es el rock sureño que recibe su nombre de su lugar de nacimiento, el sur de Estado Unidos y tiene cierta influencia del country, sus más genuinos representantes fueron la Allman Brothers Band y los Creedence Clearwater Revival.
Fuera de estos estilos surgieron figuras únicas e irrepetibles como fue Jim Morrison al frente de The Doors, rockero rebelde y enfrentado a su entorno y Fran Zappa con sus canciones que eran demoledoras críticas de la sociedad en que había nacido. En Nueva York nacía un movimiento denominado "Underground", que desarrolló un rock intelectualizado y crítico.
CANTAUTORES
Dentro de la desorientación generalizada que significó el fin del imperio beatle, muchos de los autores que hasta ahora habían compuesto para voces ajenas tienen su gran oportunidad como intérpretes, es el caso de Carole King, James Taylor o Paul Simon, tras su separación en 1970 de Arthur Garfunkel, despedida que tuvo como colofón el álbum "Puente sobre aguas turbulentas", uno de los más logrados de todo el pop de la época.
Es una época de canciones intimistas, desprovistas de adornos, que buscan textos y melodías con algo que decir.
En Inglaterra aparece Elthon John y en España los primeros setenta vieron nacer la fama de hombre como Joan Manuel Serrat, que se decidió a grabar en castellano en lugar de limitarse, como muchos de sus compañeros de la "nova cançó", al uso del catalán. En Madrid Patxi Andión, Víctor Manuel y Luis Eduardo Aute Pusieron la canción de autor en un nivel muy alto. La más prometedora figura femenina fue Cecilia pese a su temprana muerte.
JAZZ-ROCK
Esta corriente supone una amalgama de varios estilos: rock, con sus instrumentos habituales, guitarras, teclados y percusión, soul de Menphis con una fuerte sección de metal (empleada por Otis Reding) y rock sinfónico, del que integra la sección de cuerda.
Los dos grupos más representativos son Blood, Sweat & Tears y Chicago. Aunque aparecieron muchos imitadores el mantenimiento de grupos de este calibre era caro y pocos lograron proseguir por este camino. Pero el hallazgo de esta interacción de influencias seguiría presente en la música pop y muchos de los efectos que luego potenciaría el sonido disco tuvieron su origen en el jazz-rock.
SALSA-ROCK
El sonido de la salsa era ya una realidad en la zona neoyorquina, gracias a su enorme población de portorriqueña, una casa de discos, la Fania Records, había llevado hasta Nueva York a las grandes figuras: Johnny Pacheco , Eddi Palmieri, Celia Cruz..
.Con Carlos Santana esta salsa toma carta de naturaleza en la música pop y añade elementos rockeros que la salsa de los músico de Fania desconocían.. Santana era un chicano de California que había tocado la guitarra con muchas figuras y que por fin se decidió a poner sus ideas en disco; mezclando elementos percusivos africanos, melódicos latinos y estructurales del rock anglosajón creó una música nueva que en los Estados Unidos tenía precedentes en el "sonido Tijuana" de Herb Alpert y de Sergio Mendes, que utilizaba la música brasileña.
LOS GRANDES FESTIVALES:DE WOODSTOCK A WIGHT
La palabra Wight evoca una época en que se podían reunir cientos de miles de personas con un objetivo común, que no era deportivo: escuchar música. Wight, una isla en el sur de Inglaterra, Monterey y Altamont en California y Woodstock en Nueva York, son puntos clave para entender una época de la Música juvenil. Una época que tenía dos palabras clave como contraseña para la reunión: paz y amor.
El primero de estos grandes festivales se celebró en 1967 en Monterey, fue una ocasión única para reunir a nuevos y a consagrados y para dar el espaldarazo definitivo al soul .
El 21 de agosto del 69, en las praderas de Woodstck, al Norte del estado de Nueva York, se produce un festival de tres días de duración que convoca a cerca de medio millón de jóvenes. Fue seguramente el último festival de paz y amor porque meses más tarde, el festival de Wight, que había cobrado gran espectación por la reaparición de Bob Dylan, termina con un desastre de organización. Que impide futuros conciertos.
Y en Altamont, el 6 de diciembre de ese mismo 1969, durante la actuación de los Rolling Stones ante más de cuatrocientas mil personas un hobre de color apunta a Mick Jagger con un revólver y es apuñalado y muerto por uno de los "hell angels" encargado de la seguridad del recinto.
Tanto el festival de Woodstock como el de Altamont conocieron secuelas comerciales en forma de disco y película.
A la vez empezaban las "giras monstruo" o los grandes recitales con una sola figura y más de cien mil espectadores. Uno de los grandes hitos de la historia de las actuaciones públicas, por la buena música y por el gran número de figuras que le acompañaron, fue la gira de Joe Cocker.
HEAVY ROCK
Con el nombre de hard rock, heavy rock o heavy metal han bautizado los comentaristas de discos un fenómeno de potenciación de la parte más salvaje del rock que se ha ido produciendo con cierta periodicidad en la música pop. El grupo Led Zeppelin encontró la fórmula: guitarras asesinas y una voz chillona, aguda y cortante que parecía perforar los tímpanos. Y todo ello a la máxima potencia que pudieran conseguir los amplificadores.
Unos veteranos como eran los Who se convierten de la noche a la mañana en el más excitante plato de los festivales multitudinarios. Había que chillar mucho y tocar muy fuerte para convencer a los últimos de esos cuatrocientos mil espectadores, sentados probablemente a medio kilómetro del escenario y ligeramente "colocados" por efecto del porro.
Deep Perple, que se había permitido algunas veleidades con orquestas sinfónicas, renegó de tamaño invento y volvió a dar duro a los parches.
Como precursores de este estilo que era un regreso a los más bajos instintos del rock primitivo figuran Vainilla Fudge, Iron Butterfly, y en cierto modo The Doors.
Johnny Winter, un guitarrista albino de Texas y su hermano Edgar entraron de lleno en este apartado, por más que ellos llegaran a pensar en algún momento que lo suyo era el blues blanco. Pero quienes mejor explotaron este sonido descaradamente salvaje en los Estados Unidos fueron Grand Funk Railnoad y Three Dog Night, a los que se sumó, con algunos elementos de brujería exotérica Black Sabbath.
La lista de practicantes de este género musical no ha terminado todavía, en los años ochenta, coincidiendo con una nueva crisis de ideas ha vuelto con grupos como AC DC.
GLAMOUR ROCK
En los primeros setenta muchos creyeron ver una salida a la crisis en que vivía la música pop con este movimiento que explotaba reales o supuestas homosexualidades como un mérito musical más y cuyos elementos habituales eran la purpurina brillante, el maquillaje sofisticado y un vestuario elegantemente decadente.
Al amparo de esta moda convivieron talentos genuinos con oportunistas, creadores de grandes canciones con vulgares rockeros, simplemente guapos con francamente listos
El líder de este ambiguo estilo musical que se dio en llamar gay power o glamour rock fue David Bowie, que ya en los sesenta había dado medida sobrada de su talento. Otras figuras fueron Alice Cooper, que supo explotar al máximo todo el erotismo del glamour rock y cuyos espectáculo incluían escenas de gran tensión, el grupo Roxy Music y Amanda Lee, una digna competidora en un terreno que parecí vedado a las mujeres.
En los ochenta surgiría una nueva pléyade de elegantes, los "nuevos románticos" que seguirán al pie de la letra las premisas señaladas por David Bowie diez años atrás.
SONIDO FILADELFIA
A principios de los setenta se empieza a gestar el sonido Filadelfia, que no es sino un paso adelante en los presupuestos que el soul ya había expuesto.
Por primera vez el papel protagonista de la orquesta pertenece a la sección de ritmo, mientras que la cuerda y el metal disminuyen su sonido para servir de auténtico fondo en lugar de adoptar papeles principales.
Dos compositores y productores, Kenny Gamgle y Leon Huff, fundan su propia editora discográfica con sede en Filadelfia: la PIR. Y empiezan a lanzar artistas, como Billy Paul y canciones con una aceptación que hace adivinar ya la necesidad de hacer una música específicamente bailable. Con el ritmo marcado por los músicos de Filadelfia empezaba a perfilarse lo que meses más tarde sería el sonido discoteca.
Prácticamente a la vez, desde Miami, se empezaba a "fabricar" una música de baile que también estaba muy próxima a las coordenadas en que luego se movería la música disco. Otros antecedentes serían la canción "Rock my baby" de George Mc Rae y el ritmo "The hustle" de Van Mc Coy. Por otro lado Barry White, con su Love Unlimited Orchestra, supo aprovechar lo que los talentos de la música soul habían creado y consiguió un "sonido" acaramelado que era una adaptación suavizada del soul sinfónico de Issaac Hayes.
Todos los caminos llevan la misma dirección, pues a los guateques de antaño, que hicieron realmente grande la música de del high school, de los Beatles y compañía, han sucedido las visitas a las discotecas, puntos de encuentro de la gente joven, que no tiene posibilidad de bailar en casa ritmos tan movidos y ruidosos. Está empezando a formarse la tercera ola de la música pop.
VII. LA TERCERA OLA DE MÚSICA:EL SONIDO DISCO
El año 1975, dos productores y dos cantantes, Gloria Gaynor, con su "Never can say Goodbye" y Donna Summer, con "Love to love you baby" pusieron las bases del disco sound o sonido discoteca. El mundo empezó a convulsionarse, las discotecas se llenaban de estos sonidos exactos y monótonos, que algunos denominaron de "peñón fijo" pero que resultaban imprescindibles para la finalidad con que habían sido concebidos, bailar en las discotecas.
El fenómeno se extendía con rapidez pero la explosión llegó con el estreno de una película, "Fiebre del sábado noche", la idea surgió de un brillante periodista, Nick Cohn, que escribió un artículo sobre "los nuevos ritos tribales del sábado noche", la visita a la discoteca . Con los bailes de John Travolta, la música de Bee Gees y media docena de intérpretes y la narración de Nick Cohn nació la película destinada a batir todos los récords cinematográficos y musicales. De su banda sonora se vendieron veinticinco millones de discos dobles, el récord anterior lo tenía "My fair Lady" con seis millones.
Tras la onda expansiva de la "fiebre" saltaron todos los intérpretes del mundo, desde el británico Rod Stewart, a los Beach Boys, Earth, Wind & Fire, Boney M., Elton John (!)...y un millón de nombres más.
La tercera ola de la música pop había hecho saltar hasta límites insospechados las cotas de ventas y bastaba con dar un fondo discotequero a cualquier canción, nueva o vieja y poner una etiqueta para vender el producto.
REGGAE
Basándose en ritmos propios, como el ska o el mento, los jamaicanos fueron tiñendo el rock que les llegaba desde los Estados Unidos y el producto final de este trabajo de adaptación se llamó reggae. Ya en los años cincuenta, y de la mano de Belafonte, un ritmo caribeño, el calypso, había llevado cierta cadencia lenta al pop anglosajón.
Boob Marley fue la gran figura que el reggae jamaicano precisaba para convertirse en exportable, poco a poco su música fue siendo descubierta por otros cantantes, Eric Clapton, Joan Báez, Bob Dylan... Era el ritmo de moda y la única esperanza que se adivinaba para cuando declinara el sonido discoteca.
Además de estar en los discos de cantantes de todos los estilos, el reggae abrió los ojos a artistas de otras latitudes para iniciar experiencias similares con sus músicas folklóricas. En España se habló mucho del rock madrileño, del rock catalán y sobre todo del rock andaluz, producto de una generación que tenía un pie en la copla local y otro en el rock universal como Triana. En otras zonas como Galicia o el País vasco se está haciendo música juvenil sin perder de vista los ritmos propios, las melodías tradicionales, los signos de identidad locales capaces de enriquecer el pop.
PUNK
A mediados de los años setenta se utilizó este término para designar a una serie de rockeros poderosos y excitantes que no cabían en ninguna otra definición. ¿Dónde colocar si no a Bruce Springteen o a Pat Smith?.
Pero el término punk llegaría a hacerse realmente popular en su aplicación londinense: Eddie and the Hot Rods y sobre todo Sex Pistols lo sacaron a la luz, el momento fue una entrevista televisiva en la que Johnny Rotten, el líder de los Sex Pistols, dijo más inconveniencias de las admisibles. La imagen punk de este grupo respondía al talante de inadaptados de sus miembros.
Al amparo del éxito de los Sex Pistols, conseguido a raíz de su versión iconoclasta de "Dios salve a la reina", los grupos punk se multiplicaron y llegaron a afectar otros aspectos de la sociedad, sobre todo la moda y el peinado: ropa de cuero, pelos cortísimos teñidos de verde o rojo.
En España el mejor representante de este estilo sería un muchacho de Vallecas, José Ramón Martínez, Ramoncín, que se pintó un rombo en el ojo y se llenó de imperdibles (otro símbolo punk), sus canciones expresaban toda esa mezcla de agresividad y frustración que se vive en zonas similares. Como en el caso de los ingleses despertó más interés entre los sociólogos y comentaristas de la actualidad que entre el público.
NEW WAVE
El fenómeno punk, como tantos otros que ha dado la música pop, fue sólo una nube de verano y la mayor parte de quienes se habían apuntado a esta "denominación de origen" siguieron evolucionando hasta aterrizar en lo que luego se dio en llamar new wave o nueva ola.
En definitiva este término viene a ser un cajón de sastre que incluiría a gente como Blondie, que volvió a las canciones de los sesenta, otros como Police mezclaron rock y ska a partes iguales. Pretenders, Ian Dury & The Blockeads, Alaska y los Pegamoides... fueron parte de un movimiento poco coherente al término del cual no quedaron más que canciones parecidas a las de los Beatles, de quince años atrás,
LOS NUEVOS ROMÁNTICOS
En los primeros ochenta la crisis de ideas se agudiza, se exprimen las líneas ya desarrolladas anteriormente. Las reediciones de viejos cantantes y canciones se multiplican Los grupos de new wave con físico agraciado van a resucitar el fenómeno del glamour rock, aunque ahora les llamen nuevos románticos y sus nombres sean Adam and the Ants, Spandau Ballet, Visage, Duran Duran. En general basan su éxito en su aspecto personal pero musicalmente no son más que una anécdota comercial.
TECHNO-POP
Esta es la época de la cibernética, los instrumentos electrónicos van desplazando a los instrumentos tradicionales de la música rock. Se hace ritmo con una caja programable, se repiten frecuencias de notas a la velocidad que el técnico requiera, se sustituyen músicos por máquinas. Y con ello se hace música, unas veces bailable que sigue sirviendo para las discotecas, otras simplemente mecánica y se llama techno- pop y otras, las menos, alguien logra insuflar un soplo de vida a los electrones y surgen prodigios de equilibrio como "Johnny & Mary" de Robert Palmer, uno de los escasos intérpretes que ha logrado dar sensibilidad a esos fondos mecánicos del techno-pop, pero a las vez parece buscar, en su atuendo y apariencia física, algún contacto con los practicantes del nuevo romanticismo.
SALSA-ROCK
El sonido de la salsa era ya una realidad en la zona neoyorquina, gracias a su enorme población de portorriqueña, una casa de discos, la Fania Records, había llevado hasta Nueva York a las grandes figuras: Johnny Pacheco , Eddi Palmieri, Celia Cruz..
.Con Carlos Santana esta salsa toma carta de naturaleza en la música pop y añade elementos rockeros que la salsa de los músico de Fania desconocían.. Santana era un chicano de California que había tocado la guitarra con muchas figuras y que por fin se decidió a poner sus ideas en disco; mezclando elementos percusivos africanos, melódicos latinos y estructurales del rock anglosajón creó una música nueva que en los Estados Unidos tenía precedentes en el "sonido Tijuana" de Herb Alpert y de Sergio Mendes, que utilizaba la música brasileña.
servido por lauriki
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