CÓMO SURGIÓ LA MÚSICA ELECTRO?

MÚSICA ELECTRO

Hablar hoy en día de música electrónica equivale casi a hablar de música. Pocos son los trabajos, no sólo en las corrientes Pop sino dentro de toda la música compuesta actualmente, en las que no aparezca ningún sonido generado electrónicamente.
Todavía existen personas que afirman que la electrónica resta creatividad a la música. Pero el hecho es que antaño un compositor debía esperar para escuchar su propia sinfonía a que una orquesta se decidiese a tocarla, mientras que hoy, gracias a los sintetizadores, secuenciadores y ordenadores, puede escucharla antes de hacerla pública. La creatividad musical del compositor ha dado un salto impresionante. Hoy, el autor puede componer sin la tediosa mediación de partituras, conocimientos de solfeo y demás. Puede interpretar todos los instrumentos que aparecen en su trabajo, y diseñarlos a su antojo, con lo cual no se limita a crear notas, sino también sonidos. Incluso puede generar e interpretar en el teclado voces, coros, lluvias, ventiscas, cantos de aves, y cuantos sonidos captamos en nuestro universo, gracias a los muestreadores. Su dominio es total. Tiene en sus manos poder expresar todo lo que surge de su creatividad.

LAS DIVERSAS CORRIENTES

La música electrónica, sintetizada o por ordenador, no tiene estilo en sí misma. Se trata de música interpretada por instrumentos electrónicos. Sin embargo, y si bien éstos son usados habitualmente hoy en día, existen determinadas corrientes más propensas a su utilización, o pioneras en su momento. Tal vez la más representativa sea el conjunto de estilos cada vez mayor reunidos bajo la etiqueta de New Age (Nueva Era), que incluiría la Música Cósmica, la World Music, y otras. A continuación, ofrezco un repaso a los estilos más vinculados a la electrónica.
TECNO. Éste es el estilo más conocido de todos los vinculados a la electrónica. Es innecesario explicar en qué consiste. Lo que quizá no sepa todo el mundo es cuál fue su origen. El Tecno se gestó a fines de los años 60 y nació a principios de los 70. Alemania fue su cuna de nacimiento, y se le atribuye su paternidad al grupo Kraftwerk, que en 1971 ya hacía este tipo de música.
ROCK PSICODELICO, SINFONICO Y / O ESPACIAL. Es un estilo también bastante conocido, que cuenta en su historia con nombres como Pink Floyd, King Crimson, Genesis y otros. Podríamos también incluir bajo esta etiqueta (aunque no exclusivamente) a Mike Oldfield, Peter Gabriel, y otros artistas pop de difícil clasificación que han mostrado una relación estrecha con el universo electrónico. El boom de estos tipos de rock se produjo en los 60, con Pink Floyd como cabeza visible del sector más vanguardista, y alcanzó su madurez en los 70. Estos estilos podrían considerarse como el padre del Tecno.
MUSICA PLANEADORA. Denominada también Cósmica o Ambient, y conocida en sus inicios como Nuevo Rock Alemán, por ser Alemania el país de donde surgió con más fuerza. Sus orígenes son muy complicados. Si nos atenemos al arte y no a la tecnología, Bach, Debussy o Wagner podrían haber estado haciendo este tipo de música. De hecho, la música cósmica típica es una fusión de clasicismo y nuevas estructuras musicales, que incorpora melodías ensoñadoras y ritmos complejos. La Música Planeadora es el estilo más marcadamente electrónico de todos. A menudo sirve de banco de pruebas para prototipos de sintetizadores, y es el destinatario de mucha de la tecnología musical más sofisticada. La gran explosión de tecnología musical de los años 70 tuvo en la Música Cósmica su principal receptor.
MUSICA ELECTROACUSTICA / CONCRETA. Esta corriente, en su continua búsqueda de nuevos caminos sonoros por explorar, produjo la más memorable serie de exploradores de la música electrónica previos a la aparición de los primeros sintetizadores manufacturables a gran escala. Gente como Milton Babbit o Mauricio Kagel, entre otros, son pioneros en la producción de música exclusivamente electrónica.
MUSICA MINIMALISTA. Podría describirse como música repetitiva, que ha heredado algo de la Electroacústica y algo de la Planeadora. Entre los artistas más destacados de esta corriente cabe citar a Steve Reich y Philip Glass.
JAZZ ELECTRONICO. Como es bien sabido, dentro del jazz existen numerosos estilos. Algunos de ellos pueden etiquetarse como Jazz Electrónico, debido a que en ellos los instrumentos típicos del Jazz han sido sustituidos total o parcialmente por sintetizadores. El ejemplo más claro es el del compositor brasileño Wagner Tiso.
Al margen de estos géneros, otros se han beneficiado también, aunque en mucha menor medida, de los sintetizadores y otros instrumentos electrónicos avanzados. Incluso ¡la Música Clásica! ha tenido memorables grabaciones electrónicas. Aunque los compositores clásicos no dispusieran en su época de sintetizadores, la suya, y más concretamente la de ciertos autores, es una música que se presta fácilmente a su interpretación mediante sintetizador. Por eso tuvieron tanto éxito a fines de los años 60 las obras de Bach interpretadas al sintetizador por Wendy Carlos. O las de Debussy, Stravinsky, Prokofiev, Strauss y otros tocadas por Isao Tomita.
Podríamos seguir tratando de poner etiquetas para definir distintos estilos dentro de cada una de estas corrientes, pero sería etiquetar por etiquetar. La propia imposibilidad de definir con palabras la música hace que a menudo las etiquetas sean ambiguas, y por eso sólo es conveniente usarlas para definir campos muy amplios. Sin duda la única etiqueta precisa es la de cada autor.

LA PREHISTORIA

Los inicios de la música electrónica se remontan a mucho antes de lo que se suele creer. Concretamente, hay que situarse en las postrimerías del siglo XIX, cuando se crearon, de manera bastante desapercibida para el público de entonces, extraños instrumentos musicales parcialmente eléctricos, tales como el Clavicémbalo Eléctrico, los Pianos Electromagnéticos o el Arco Cantante. Las referencias que se conservan hoy son escasas y confusas, dado que tales inventos no recibieron por parte de la sociedad una atención mayor que la propia de raros cachivaches de feria sensacionalista. Aún así, en Alemania ya existían periodistas técnicos que profetizaban el nacimiento de la música electrónica, manifestando, ante la incomprensión y la burla de sus contemporáneos, que la electricidad sería en el futuro responsable de un giro total en la concepción instrumental de la música.
El primer instrumento enteramente electrónico fue el Telarmonio, inventado en 1900 por Thaddeus Cahill. La música interpretada con este aparato se transmitía a domicilio a los interesados por medio de las recientes redes telefónicas. Esto supuso además la primera experiencia de Hilo Musical. Importantes logros para un importante tiempo. Aquélla fue la época en que germinó el espíritu científico que habría de hacer posible con el paso de las décadas la revolución de los instrumentos eléctricos dentro de la música, desde los más simples como la guitarra y el órgano eléctricos, a los más complejos como el sintetizador y el sampler. Sin embargo, durante aquellos años, los instrumentos electrónicos y la propia música electrónica fueron dominio exclusivo de inventores solitarios, generalmente incomprendidos por una sociedad victoriana aferrada a los conceptos musicales tradicionales.

LOS ASOMBROSOS AÑOS VEINTE

Tras la Primera Guerra Mundial, se produjo un notable incremento de nuevos instrumentos musicales electrónicos. En Alemania, Jorg Mager inventó un instrumento electrónico sin teclado, cuyas notas musicales se determinaban girando una manivela que regulaba la frecuencia del sonido. También construyó un órgano electrónico de tres teclados, que incorporaba diversos timbres, y el calidófono, instrumento monofónico de teclado que permitía mezclar sonidos.
El ruso Lev Termen (o Lev Theremin en la transcripción francesa) creó el Termenvox, conocido también como Theremin (derivado de su apellido). Este instrumento carecía de teclado. Las notas sonaban moviendo las manos ante unas antenas que surgían del aparato, singular mecanismo de interpretación que recuerda al del Arpa Láser tocada por Jean Michel Jarre. Los instrumentos electrónicos se multiplicaron.
El Terpsitone fue una especie de hermano mayor del Termenvox, capaz de ampliar su acción musical al movimiento de todo el cuerpo, con lo cual, tocar este instrumento se efectuaba mediante la danza. El Ritmicon era un precursor de los actuales secuenciadores. Además de estos instrumentos, Lev Termen diseñó un violoncelo eléctrico, una primitiva caja de ritmos, y un instrumento electrónico provisto de teclado. Hugo Gernsback, el inventor del término ciencia-ficción, y editor de relatos de ese género, diseñó el Pianorad, dotado de un teclado polifónico.
Aparecieron en Francia el órgano electrónico Givelet-Coupleaux, que proporcionaba hasta 76 sonidos diferentes, y el Ondes Martenot que tuvo un éxito lo bastante duradero como para ganarse un puesto propio entre los instrumentos musicales convencionales.
El éxito de la música interpretada con tan singulares instrumentos no se hace esperar. Lev Termen realiza giras musicales por toda Europa, y se instala en EE.UU. Toca sus instrumentos con la Orquesta Filarmónica de Nueva York.
Aparecen interpretes especializados en instrumentos electrónicos, como por ejemplo Clara Rockmore, una legendaria virtuosa del Termenvox, y se componen obras de música electrónica (o semielectrónica) como por ejemplo Electric Symphony (1932), o Symphonic Mystery for Termenvox and Orchestra (1924), además de diversas bandas sonoras para películas.

LA DECADENCIA

El gran interés que en la sociedad industrializada despertaban los instrumentos electrónicos por ser una sorprendente novedad técnica, se apagó a fines de los años 30. Y puesto que la música que interpretaban era convencional, o bien demasiado compleja y dispersa, la embrionaria música electrónica dejó de atraer al público de la época. Existía la tecnología, pero no un bagaje artístico-cultural que permitiese aprovecharla para crear una música plenamente diferente, cuya esencia se hallase en el alma de esa tecnología, no en adaptaciones de estilos desarrollados en base a los instrumentos acústicos. El progreso técnico logrado estaba demasiado por delante del cultural.
A causa de todo ello, la conmoción suscitada por la música electrónica cesó al acabar la década de 1930. Lev Termen regresó a la URSS. Jorg Mager murió. El inicio de la Segunda Guerra Mundial dirigió la atención de la sociedad hacia otras cuestiones más prioritarias que la investigación de nuevos lenguajes musicales, y las aguas del olvido engulleron la llave que podía haber abierto un nuevo universo musical décadas antes de la época en que ello fue por fin posible.

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CÚAL ES EL ORIGEN DE LA MÚSICA POP?

INTRODUCCIÓN

La música pop ha conocido en su historia tres olas y quizás hemos entrado en la cuarta. El rock and roll nació en 1955 y se apagó como tal en 1958. Cinco años mas tarde, la presencia de los Beatles desató otras de las grandes olas que se extendió aproximadamente hasta el 68. La tercera de estas olas nació en 1975, con las primeras grabaciones del sonido discoteca y falleció de agotamiento en los 80.
¿Por qué se han escogido estos movimientos como clave de cada una de las "olas" y no otro cualquiera , como el soul, el jazz rock, el blues británico o el reggae?. Existen tres razones:
1ª. Cada uno de ellos ha significado la corriente predominante de toda una década: el rock and roll en los cincuenta, el beat británico en los sesenta y el disco sound en los setenta.
2ª. Han supuesto un crecimiento gigantesco en la industria discográfica, batiendo récords anteriores. Elvis presley pulverizó las marcas de ventas de Frank Sinatra y Bing Crosby; los Beatles superaron las de Elvis y el sonido disco se situó en unas cotas impensables unos años antes.
3ª. Cada una de estas tres olas ha impregnado profundamente toda la música posterior. El acompañamiento del rock , las armonías de los Beatles con sus acordes finales sorprendentes, que aparecen y reaparecen una y otra vez en toda la música de los setenta; los hallazgos técnicos y rítmicos del sonido disco marcan toda la música de los ochenta
Pero como ocurre en cualquier otra actividad, los períodos entre dos olas no son tiempos muertos sino todo lo contrario. Seguramente nunca se hicieron tantas y tan buenas canciones como en la etapa 1958-62 (la high school), en que se había apagado el rock and roll y aún no habían surgido los Beatles. El interregno entre éstos y el sonido disco es enormemente productivo: jazz rock, salsa, blues británico, sonido Filadelfia, heavy metal rock...todo un mundo de experiencias que nunca caen el vacío. Por otro lado en la década de los 80 se vuelve la vista atrás otra vez con ciertas adaptaciones como el rock autóctono, el reggae, el punk o la new wave y se introduce una enorme renovación en cuanto a la instrumentación con la adaptación de la cibernética, así los instrumentos electrónicos van desplazando unas veces y conviviendo otras con los instrumentos tradicionales.

I. LOS ORÍGENES

II. LAS PRIMERAS FIGURAS DEL ROCK AND ROLL

III.PRIMER PERIODO DE TRANSICIÓN

HIGH SCHOOL

En el plazo de un año, 1958, Elvis presley se marcha al servicio militar, Chuck Berry ingresa en prisión, Little Richard se convierte en predicador, Buddy Holly se mataba en un accidente aéreo y Jerry Lee Lewis sucumbe al escándalo de una boda "maldita" con una belleza sureña de trece años.
Puestas así las cosas, los editores de las casas discográficas se pusieron a buscar nuevos ídolos capaces de cubrir el hueco dejado por tal cúmulo de coincidencias, surgiendo así una generación de ídolos juveniles, en edad escolar, muy bien reflejada en "American graffitti" o "Grease", son los teen idols o high school.
Las dos figuras que polarizan la atención del momento son Paul Anka, un canadiense de origen turco, que triunfó con "Diana" y Neil Sedaka con "Oh Carol"

FOLK,CANCIÓN PROTESTA

La historia de la música pop sería incomprensible sin conocer las interacciones que se fueron produciendo entre el ritmo rock y las músicas que con él convivían. Y a principios de los 60 surgió el folk, una corriente musical que tenía menos que ver con las nuevas experiencias de la juventud americana que con las viejas tradiciones.
Sus antecedentes se sitúan en los años 30 y en un lobo solitario que fue Woody Guthrie, a su lado creció y aprendió Peter Seeger, que consiguió hacer popular la música folk en los circuitos comerciales, la suya fue una batalla política y musical
Cuando en 1959 los organizadores del prestigioso festival de jazz de Newport decidieron abrir una sección dedicada al folk, no sabían que estaban colaborando a crear una de las grandes fuerzas sociales de los 60: la de la canción protesta, las grandes sentadas pacifistas, la quema de las cartillas de militarización. Aquel 1959 salía consagrada de Newport una universitaria de origen mejicano llamada Joan Báez, pacifista acérrima y poseedora de una bellísima voz de soprano.
Cada cual se lanzó a la aventura de denunciar la injusticia con canciones, con ello nació el término de "canción protesta", rápidamente desvirtuado por manejos comerciales
En España surgieron movimientos similares como la nova cançó catalana, con nombres como Raimon, Serrat, Pi de la Serna, entre otros y en Madrid Hilario Camacho, Elisa Serna...También cabe mencionar a Mª del Mar Bonet, Pau Riba o Paco Ibáñez.
Uno de los músicos más geniales del momento fue Robert Zimmerman, más conocido como Bob Dylan, judío de origen nace en 1941 cerca de la frontera canadiense, su nombre parece que lo tomó por admiración hacia el poeta Dylan Thomas, aunque él lo negase más tarde. Su biografía está llena de exageraciones. Fue un gran admirador de Woody Guthrie. Su estrella comienza a brillar en los conciertos que se organizan en Washington Square, núcleo del Greenwich Village neoyorquino, verdaderos "happening", que en un momento llegaron a ser prohibidos por las autoridades por la repercusión entre el público de esta forma libre de expresarse. Alcanza la fama definitiva con "Blowin in the wind" y desde entonces cada uno de sus álbumes es un aldabonazo en la conciencia colectiva del mundo.

IV. SEGUNDA OLA DE LA MÚSICA POP.LOS BEATLES Y LA INVASIÓN BRITÁNICA

En 1962 aparece en Liverpool un grupo formado por dos guitarras, un bajo y una batería, son los Beatles, que suponen una verdadera revolución dentro del panorama musical: ante todo constituyen una síntesis entre el ritmo del primer rock y la tradición coral inglesa. En 1962 lanzan su primer disco "Love me do" y durante siete años fueron la primera fuente de exportación británica. En 1964 llegan a Estados Unidos y consiguen marcas imposibles de superar, como el hecho de colocar simultáneamente cinco canciones en los cinco primeros puestos de las listas de discos pequeños y dos álbumes en los de las listas de LP's.
Su influencia fue enorme en todo el mundo y sus canciones fueron traducidas a todos los idiomas, en España lo hicieron los Mustang y su réplica fueron los Brincos.
Pero lo más importante del grupo británico no fueron sus récords, sino su capacidad para evolucionar por delante de sus competidores. Empezaron con la psicodelia, iniciaron la penetración de instrumentos y ritmos hindúes, utilizaron grandes orquestas en sus discos, fueron precursores del rock sinfónico, devolvieron al público el gusto por el rock, hicieron letras sociales...y para ello se basaron en su innegable talento, en las armonías de gente como Everly Brothers o Buddy Holly y en los ritmos de grupos como Marvelettes o Shirelles, muchas veces despreciadas en su propio país.

LA INVASIÓN BRITÁNICA

Junto a los Beatles surgieron en Gran Bretaña otros grupos que, entre los años 1964-65 invadieron literalmente el mundo de la música pop, fueron the Animals y los Rolling Stone, estos últimos representaron la cara agresiva del pop inglés, que entroncaba directamente con el rhytm and blues y contrastaba en cierta medida con la imagen educada y asimilada de los Beatles.
La lista de grupos nacida en la estela de este trío resultaría interminable, pero entre ellos algunos nombres resultan valiosos como demostró después su propia evolución, así los Moody Blues, que desembocarían un par de años más tarde en el rock sinfónico, los Bee Gees, puntales luego del sonido disco o los Who, autores de óperas rock como "Tommy" o "Quadrophenia".
En España destacaron los Bravos, que consiguieron imponerse en el mercado inglés gracias a su cantante de origen alemán Mike Kennedy, su carrera fue breve pero sirvió para demostrar la internacionalidad de la música pop.

V. LA REACCIÓN AMERICANA

Ante la avalancha de grupos y cantantes ingleses los músicos americanos contraatacarían en tres frentes simultáneos: la música chicle, el soul y el folk-rock junto al movimiento hippie.
La música chicle no era más que la prolongación de aquellas canciones de la high school, sencillitas y comerciales pero efectivas. Algo parecido a lo que en España se conocía como canción veraniega. Son grupos de este momento los Monkees o los Archies, cuyas canciones como "Sugar, sugar" quedaron para siempre en la cumbre de los éxitos.
El soul music viene a identificar la música negra cantada con "alma" y supuso su entrada en los circuitos comerciales así como su aceptación por el público blanco. No se trata de un movimiento unificado pues partió de dos puntos de características muy distintas, así el soul de Memphis venía del sureño estado de Tennesse y el de Detroit nacía en el norte industrial y tenía connotaciones más urbanas.
En Detroit nace la primera productora de discos montada por gente de color, la Tamla Motown y lanzó a figuras como Las Supremes de Diana Ross, Marvin Gaye y un niño prodigio llamado Stevie Wonder, que con el paso de los años se convertiría en el más importante músico de color de toda la historia pop. Un ritmo suave y melodías apoyadas en los contrapuntos que destacaban los coros de la casa daban una sensación de elegancia característica del soul de Detroit..
Por su parte el soul de Menphis dependió de un hombre que lo hizo absolutamente todo;: Otis Redding, escribió sus propios éxitos y los de figuras como Aretha Franklin, Wilson Pickett y otros. El estilo de Menphis es el sentimiento por encima de todo tomado de la música espiritual negra y de los riffs (serie de notas breves y de mucha fuerza repetidas como contraste de la melodía principal) de metal tomados del jazz de Count basie.
Otras figuras que continuaron el estilo de Otis Redding, muerto en accidente de avión, fueron Isaac Hayes, padre de soul sinfónico que desembocó en el sonido Filadelfia y Barry White.
Hubo otros grandes nombres que no se encuadraron en ninguno de estos movimientos organizados: Ray Charles "El Genio", James Brown, Ike y Tina Turner...

FOLK-ROCK

En 1965 un grupo neoyorkino, los Byrds, tuvo la idea de dar un poco más de ritmo a una canción de Bob Dylan "The tambourine man", unos meses más tarde el mismo Dylan enarbolaba una guitarra eléctrica. El folk-rock estaba lanzado y todo el mundo empezó a poner en ritmo rápido las baladas lentas o las canciones de los folksingers.
Pero aquello fue sólo el principio, del folk-rock se pasaría al country -rock y más tarde al country -pop, facetas todas ellas del encuentro de la guitarra eléctrica con las baladas de los folkloristas.
Dentro de este movimiento se configura la carrera de Simon y Garfunkel, que saltan a la fama tras el éxito de su tema "The sound of silence".
Por otro lado Crosby, Still & Nash, con el posterior añadido de Neil Young fueron el gran grupo de country- rock y los creadores de una nueva forma de expresión.
Ya en 1972 el grupo Eagles fue el mejor defensor del country- pop, un estilo que perdura a pesar de no ser una música predominante en ningún período.

HIPPIES

A mediados de los sesenta las juventud del mundo empezó a fumar "marihuana" como un símbolo más de rebeldía junto al rock and roll y los pelos largos, pero llegó la química y todo el mundo se puso a hablar del ácido lisérgico, o más exactamente de sus iniciales, L.S.D. Y así nació la psicodelia, palabra que venía a definir el estado de percepción sensorial expansiva en el que el ácido sumía a sus fieles.
Simultáneamente y como rechazo a un mundo cada vez más agresivo surgen en San Francisco los hippies, son los hijos de las flores, pacifistas a ultranza, discípulos de la teoría de la no violencia de Gandhi, se pintan la cara y se llenan el pelo de flores. Cantantes surgidos en esta vertiente naturalista son Mama's and the Papa's o Melanie con su "Beautiful people".
Por otro lado y también desde California surgen grupos de rock más duro, partidarios de una música fuerte; los adelantados de este rock ácido (por influencia del L.S.D., de ahí su nombre) fueron Jefferson Airplane y Grateful Dead.

EL BLUES BLANCO

Los nombres más relevantes de esta corriente que ven en el blues la salvación de la música pop, que estaba cada vez más adocenada por la búsqueda del éxito en las listas fueron John Mayall, británico, el "padre del blues blanco", Janis Joplin, tejana, de una voz desgarrada y potente, que murió prematuramente por sobredosis y Jimi Hendrix, que convirtió la guitarra eléctrica en un instrumento distinto, de una expresividad inédita
Este movimiento supone un regreso a las raíces del Rtym and blues, con grandes instrumentistas y capacidad de improvisación. También cabe destacar a The Cream, con Eric Clapton ("mano lenta", por la facilidad con que tocaba los rifss y solos más enrevesados).

ROCK SINFÓNICO

En 1967 los Beatles incorporaron una gran banda para su álbum "Sgt. Pepers" y su canción "All you need is love", poco antes ya habían utilizado una sección de cuerda en su "Eleanor Rigby". Las orquestas convencionales que parecían superadas y despreciadas por el buen rock empiezan a encontrar su sitio en la nueva música joven.
También en 1967 debuta el grupo Pink Floyd un año más tarde el grupo Yes, pero el gran aldabonazo lo da Moody Blues, que en unión de la London Festival Orchestra edita un álbum titulado "Days of future passed", consiste en una serie de canciones enlazadas temáticamente (incluida sus "Noches de blanco satén") a la manera de una suite clásica. Este álbum supuso una declaración de intenciones de la nueva corriente musical que pronto se conocería como rock sinfónico.
Génesis, Mike Oldfield y Jean- Michel Jarre también se acogieron a este nuevo estilo que pronto se liberó de la servidumbre de la orquesta gracias a los hallazgos técnicos, así con sintetizadores se podía reproducir cualquier sonido, secciones de cuerda o metal, grandes corales e incluso orquestas enteras.

VI. TRANSICIÓN ENTRE DOS DÉCADAS

A finales de los sesenta estaba claro que la segunda ola de la música pop había pasado. La primera la había creado la explosión universal del rock and roll y duró de 1955 a 1958. La segunda tenía protagonistas más concretos, los Beatles y se extendió de 1963 a 1968. En años sucesivos se escucha a Jimi Hendrix, el blues británico de Cream, un rock tecnificado y a una serie de grupos norteamericanos e ingleses que aportaban nuevas ideas para salir del atolladero en que se encontraba metida la industria discográfica, así se producirá la eclosión de los cantautores y todo un ramillete de nuevas tendencias: rock duro, jazz- rock, salsa, el glamour-rock, etc...
Uno de los nuevos caminos que aparecen a finales de los sesenta es el rock sureño que recibe su nombre de su lugar de nacimiento, el sur de Estado Unidos y tiene cierta influencia del country, sus más genuinos representantes fueron la Allman Brothers Band y los Creedence Clearwater Revival.
Fuera de estos estilos surgieron figuras únicas e irrepetibles como fue Jim Morrison al frente de The Doors, rockero rebelde y enfrentado a su entorno y Fran Zappa con sus canciones que eran demoledoras críticas de la sociedad en que había nacido. En Nueva York nacía un movimiento denominado "Underground", que desarrolló un rock intelectualizado y crítico.

CANTAUTORES

Dentro de la desorientación generalizada que significó el fin del imperio beatle, muchos de los autores que hasta ahora habían compuesto para voces ajenas tienen su gran oportunidad como intérpretes, es el caso de Carole King, James Taylor o Paul Simon, tras su separación en 1970 de Arthur Garfunkel, despedida que tuvo como colofón el álbum "Puente sobre aguas turbulentas", uno de los más logrados de todo el pop de la época.
Es una época de canciones intimistas, desprovistas de adornos, que buscan textos y melodías con algo que decir.
En Inglaterra aparece Elthon John y en España los primeros setenta vieron nacer la fama de hombre como Joan Manuel Serrat, que se decidió a grabar en castellano en lugar de limitarse, como muchos de sus compañeros de la "nova cançó", al uso del catalán. En Madrid Patxi Andión, Víctor Manuel y Luis Eduardo Aute Pusieron la canción de autor en un nivel muy alto. La más prometedora figura femenina fue Cecilia pese a su temprana muerte.

JAZZ-ROCK

Esta corriente supone una amalgama de varios estilos: rock, con sus instrumentos habituales, guitarras, teclados y percusión, soul de Menphis con una fuerte sección de metal (empleada por Otis Reding) y rock sinfónico, del que integra la sección de cuerda.
Los dos grupos más representativos son Blood, Sweat & Tears y Chicago. Aunque aparecieron muchos imitadores el mantenimiento de grupos de este calibre era caro y pocos lograron proseguir por este camino. Pero el hallazgo de esta interacción de influencias seguiría presente en la música pop y muchos de los efectos que luego potenciaría el sonido disco tuvieron su origen en el jazz-rock.

SALSA-ROCK

El sonido de la salsa era ya una realidad en la zona neoyorquina, gracias a su enorme población de portorriqueña, una casa de discos, la Fania Records, había llevado hasta Nueva York a las grandes figuras: Johnny Pacheco , Eddi Palmieri, Celia Cruz..
.Con Carlos Santana esta salsa toma carta de naturaleza en la música pop y añade elementos rockeros que la salsa de los músico de Fania desconocían.. Santana era un chicano de California que había tocado la guitarra con muchas figuras y que por fin se decidió a poner sus ideas en disco; mezclando elementos percusivos africanos, melódicos latinos y estructurales del rock anglosajón creó una música nueva que en los Estados Unidos tenía precedentes en el "sonido Tijuana" de Herb Alpert y de Sergio Mendes, que utilizaba la música brasileña.

LOS GRANDES FESTIVALES:DE WOODSTOCK A WIGHT

La palabra Wight evoca una época en que se podían reunir cientos de miles de personas con un objetivo común, que no era deportivo: escuchar música. Wight, una isla en el sur de Inglaterra, Monterey y Altamont en California y Woodstock en Nueva York, son puntos clave para entender una época de la Música juvenil. Una época que tenía dos palabras clave como contraseña para la reunión: paz y amor.
El primero de estos grandes festivales se celebró en 1967 en Monterey, fue una ocasión única para reunir a nuevos y a consagrados y para dar el espaldarazo definitivo al soul .
El 21 de agosto del 69, en las praderas de Woodstck, al Norte del estado de Nueva York, se produce un festival de tres días de duración que convoca a cerca de medio millón de jóvenes. Fue seguramente el último festival de paz y amor porque meses más tarde, el festival de Wight, que había cobrado gran espectación por la reaparición de Bob Dylan, termina con un desastre de organización. Que impide futuros conciertos.
Y en Altamont, el 6 de diciembre de ese mismo 1969, durante la actuación de los Rolling Stones ante más de cuatrocientas mil personas un hobre de color apunta a Mick Jagger con un revólver y es apuñalado y muerto por uno de los "hell angels" encargado de la seguridad del recinto.
Tanto el festival de Woodstock como el de Altamont conocieron secuelas comerciales en forma de disco y película.
A la vez empezaban las "giras monstruo" o los grandes recitales con una sola figura y más de cien mil espectadores. Uno de los grandes hitos de la historia de las actuaciones públicas, por la buena música y por el gran número de figuras que le acompañaron, fue la gira de Joe Cocker.

HEAVY ROCK

Con el nombre de hard rock, heavy rock o heavy metal han bautizado los comentaristas de discos un fenómeno de potenciación de la parte más salvaje del rock que se ha ido produciendo con cierta periodicidad en la música pop. El grupo Led Zeppelin encontró la fórmula: guitarras asesinas y una voz chillona, aguda y cortante que parecía perforar los tímpanos. Y todo ello a la máxima potencia que pudieran conseguir los amplificadores.
Unos veteranos como eran los Who se convierten de la noche a la mañana en el más excitante plato de los festivales multitudinarios. Había que chillar mucho y tocar muy fuerte para convencer a los últimos de esos cuatrocientos mil espectadores, sentados probablemente a medio kilómetro del escenario y ligeramente "colocados" por efecto del porro.
Deep Perple, que se había permitido algunas veleidades con orquestas sinfónicas, renegó de tamaño invento y volvió a dar duro a los parches.
Como precursores de este estilo que era un regreso a los más bajos instintos del rock primitivo figuran Vainilla Fudge, Iron Butterfly, y en cierto modo The Doors.
Johnny Winter, un guitarrista albino de Texas y su hermano Edgar entraron de lleno en este apartado, por más que ellos llegaran a pensar en algún momento que lo suyo era el blues blanco. Pero quienes mejor explotaron este sonido descaradamente salvaje en los Estados Unidos fueron Grand Funk Railnoad y Three Dog Night, a los que se sumó, con algunos elementos de brujería exotérica Black Sabbath.
La lista de practicantes de este género musical no ha terminado todavía, en los años ochenta, coincidiendo con una nueva crisis de ideas ha vuelto con grupos como AC DC.

GLAMOUR ROCK

En los primeros setenta muchos creyeron ver una salida a la crisis en que vivía la música pop con este movimiento que explotaba reales o supuestas homosexualidades como un mérito musical más y cuyos elementos habituales eran la purpurina brillante, el maquillaje sofisticado y un vestuario elegantemente decadente.
Al amparo de esta moda convivieron talentos genuinos con oportunistas, creadores de grandes canciones con vulgares rockeros, simplemente guapos con francamente listos
El líder de este ambiguo estilo musical que se dio en llamar gay power o glamour rock fue David Bowie, que ya en los sesenta había dado medida sobrada de su talento. Otras figuras fueron Alice Cooper, que supo explotar al máximo todo el erotismo del glamour rock y cuyos espectáculo incluían escenas de gran tensión, el grupo Roxy Music y Amanda Lee, una digna competidora en un terreno que parecí vedado a las mujeres.
En los ochenta surgiría una nueva pléyade de elegantes, los "nuevos románticos" que seguirán al pie de la letra las premisas señaladas por David Bowie diez años atrás.

SONIDO FILADELFIA

A principios de los setenta se empieza a gestar el sonido Filadelfia, que no es sino un paso adelante en los presupuestos que el soul ya había expuesto.
Por primera vez el papel protagonista de la orquesta pertenece a la sección de ritmo, mientras que la cuerda y el metal disminuyen su sonido para servir de auténtico fondo en lugar de adoptar papeles principales.
Dos compositores y productores, Kenny Gamgle y Leon Huff, fundan su propia editora discográfica con sede en Filadelfia: la PIR. Y empiezan a lanzar artistas, como Billy Paul y canciones con una aceptación que hace adivinar ya la necesidad de hacer una música específicamente bailable. Con el ritmo marcado por los músicos de Filadelfia empezaba a perfilarse lo que meses más tarde sería el sonido discoteca.
Prácticamente a la vez, desde Miami, se empezaba a "fabricar" una música de baile que también estaba muy próxima a las coordenadas en que luego se movería la música disco. Otros antecedentes serían la canción "Rock my baby" de George Mc Rae y el ritmo "The hustle" de Van Mc Coy. Por otro lado Barry White, con su Love Unlimited Orchestra, supo aprovechar lo que los talentos de la música soul habían creado y consiguió un "sonido" acaramelado que era una adaptación suavizada del soul sinfónico de Issaac Hayes.
Todos los caminos llevan la misma dirección, pues a los guateques de antaño, que hicieron realmente grande la música de del high school, de los Beatles y compañía, han sucedido las visitas a las discotecas, puntos de encuentro de la gente joven, que no tiene posibilidad de bailar en casa ritmos tan movidos y ruidosos. Está empezando a formarse la tercera ola de la música pop.

VII. LA TERCERA OLA DE MÚSICA:EL SONIDO DISCO

El año 1975, dos productores y dos cantantes, Gloria Gaynor, con su "Never can say Goodbye" y Donna Summer, con "Love to love you baby" pusieron las bases del disco sound o sonido discoteca. El mundo empezó a convulsionarse, las discotecas se llenaban de estos sonidos exactos y monótonos, que algunos denominaron de "peñón fijo" pero que resultaban imprescindibles para la finalidad con que habían sido concebidos, bailar en las discotecas.
El fenómeno se extendía con rapidez pero la explosión llegó con el estreno de una película, "Fiebre del sábado noche", la idea surgió de un brillante periodista, Nick Cohn, que escribió un artículo sobre "los nuevos ritos tribales del sábado noche", la visita a la discoteca . Con los bailes de John Travolta, la música de Bee Gees y media docena de intérpretes y la narración de Nick Cohn nació la película destinada a batir todos los récords cinematográficos y musicales. De su banda sonora se vendieron veinticinco millones de discos dobles, el récord anterior lo tenía "My fair Lady" con seis millones.
Tras la onda expansiva de la "fiebre" saltaron todos los intérpretes del mundo, desde el británico Rod Stewart, a los Beach Boys, Earth, Wind & Fire, Boney M., Elton John (!)...y un millón de nombres más.
La tercera ola de la música pop había hecho saltar hasta límites insospechados las cotas de ventas y bastaba con dar un fondo discotequero a cualquier canción, nueva o vieja y poner una etiqueta para vender el producto.

REGGAE

Basándose en ritmos propios, como el ska o el mento, los jamaicanos fueron tiñendo el rock que les llegaba desde los Estados Unidos y el producto final de este trabajo de adaptación se llamó reggae. Ya en los años cincuenta, y de la mano de Belafonte, un ritmo caribeño, el calypso, había llevado cierta cadencia lenta al pop anglosajón.
Boob Marley fue la gran figura que el reggae jamaicano precisaba para convertirse en exportable, poco a poco su música fue siendo descubierta por otros cantantes, Eric Clapton, Joan Báez, Bob Dylan... Era el ritmo de moda y la única esperanza que se adivinaba para cuando declinara el sonido discoteca.
Además de estar en los discos de cantantes de todos los estilos, el reggae abrió los ojos a artistas de otras latitudes para iniciar experiencias similares con sus músicas folklóricas. En España se habló mucho del rock madrileño, del rock catalán y sobre todo del rock andaluz, producto de una generación que tenía un pie en la copla local y otro en el rock universal como Triana. En otras zonas como Galicia o el País vasco se está haciendo música juvenil sin perder de vista los ritmos propios, las melodías tradicionales, los signos de identidad locales capaces de enriquecer el pop.

PUNK

A mediados de los años setenta se utilizó este término para designar a una serie de rockeros poderosos y excitantes que no cabían en ninguna otra definición. ¿Dónde colocar si no a Bruce Springteen o a Pat Smith?.
Pero el término punk llegaría a hacerse realmente popular en su aplicación londinense: Eddie and the Hot Rods y sobre todo Sex Pistols lo sacaron a la luz, el momento fue una entrevista televisiva en la que Johnny Rotten, el líder de los Sex Pistols, dijo más inconveniencias de las admisibles. La imagen punk de este grupo respondía al talante de inadaptados de sus miembros.
Al amparo del éxito de los Sex Pistols, conseguido a raíz de su versión iconoclasta de "Dios salve a la reina", los grupos punk se multiplicaron y llegaron a afectar otros aspectos de la sociedad, sobre todo la moda y el peinado: ropa de cuero, pelos cortísimos teñidos de verde o rojo.
En España el mejor representante de este estilo sería un muchacho de Vallecas, José Ramón Martínez, Ramoncín, que se pintó un rombo en el ojo y se llenó de imperdibles (otro símbolo punk), sus canciones expresaban toda esa mezcla de agresividad y frustración que se vive en zonas similares. Como en el caso de los ingleses despertó más interés entre los sociólogos y comentaristas de la actualidad que entre el público.

NEW WAVE

El fenómeno punk, como tantos otros que ha dado la música pop, fue sólo una nube de verano y la mayor parte de quienes se habían apuntado a esta "denominación de origen" siguieron evolucionando hasta aterrizar en lo que luego se dio en llamar new wave o nueva ola.
En definitiva este término viene a ser un cajón de sastre que incluiría a gente como Blondie, que volvió a las canciones de los sesenta, otros como Police mezclaron rock y ska a partes iguales. Pretenders, Ian Dury & The Blockeads, Alaska y los Pegamoides... fueron parte de un movimiento poco coherente al término del cual no quedaron más que canciones parecidas a las de los Beatles, de quince años atrás,

LOS NUEVOS ROMÁNTICOS

En los primeros ochenta la crisis de ideas se agudiza, se exprimen las líneas ya desarrolladas anteriormente. Las reediciones de viejos cantantes y canciones se multiplican Los grupos de new wave con físico agraciado van a resucitar el fenómeno del glamour rock, aunque ahora les llamen nuevos románticos y sus nombres sean Adam and the Ants, Spandau Ballet, Visage, Duran Duran. En general basan su éxito en su aspecto personal pero musicalmente no son más que una anécdota comercial.

TECHNO-POP

Esta es la época de la cibernética, los instrumentos electrónicos van desplazando a los instrumentos tradicionales de la música rock. Se hace ritmo con una caja programable, se repiten frecuencias de notas a la velocidad que el técnico requiera, se sustituyen músicos por máquinas. Y con ello se hace música, unas veces bailable que sigue sirviendo para las discotecas, otras simplemente mecánica y se llama techno- pop y otras, las menos, alguien logra insuflar un soplo de vida a los electrones y surgen prodigios de equilibrio como "Johnny & Mary" de Robert Palmer, uno de los escasos intérpretes que ha logrado dar sensibilidad a esos fondos mecánicos del techno-pop, pero a las vez parece buscar, en su atuendo y apariencia física, algún contacto con los practicantes del nuevo romanticismo.

SALSA-ROCK

El sonido de la salsa era ya una realidad en la zona neoyorquina, gracias a su enorme población de portorriqueña, una casa de discos, la Fania Records, había llevado hasta Nueva York a las grandes figuras: Johnny Pacheco , Eddi Palmieri, Celia Cruz..
.Con Carlos Santana esta salsa toma carta de naturaleza en la música pop y añade elementos rockeros que la salsa de los músico de Fania desconocían.. Santana era un chicano de California que había tocado la guitarra con muchas figuras y que por fin se decidió a poner sus ideas en disco; mezclando elementos percusivos africanos, melódicos latinos y estructurales del rock anglosajón creó una música nueva que en los Estados Unidos tenía precedentes en el "sonido Tijuana" de Herb Alpert y de Sergio Mendes, que utilizaba la música brasileña.

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ÚLTIMAS NOTICIAS SOBRE MÚSICA

PLACEBO Y R.E.M, DE LA MANO

12 de enero de 2006, 17h54 -- El vocalista y líder de la banda norteamericana, Michael Stipe, colaborará en el nuevo disco de Brian Molko y los suyos .

El 13 de marzo verá la luz el nuevo trabajo de Placebo, tal como anunció la banda hace unas semanas. La gran novedad será la participación del vocalista de R.E.M. , Michael Stipe, quien cantará a dúo junto a Brian Molko en el tema 'Broken Promise'.

La continuación de "Sleeping With Ghosts (03)", todavía sin título, contará con catorce nuevos temas. Además de la colaboración de Stipe, Alison Mosshart, cantante de The Kills, aportará su voz en el tema 'Meds'.

El 27 de febrero la banda publicará la carta de presentación del nuevo álbum, el primer sencillo, 'Because I Want You', aunque también se especula con la posibilidad de que se ponga al mercado 'Song To Say Goodbye'.

La lista provisional que se ha filtrado del nuevo álbum es la siguiente:

'Because I Want You'
'Meds'
'Infrared'
'One of a Kind'
'Space Monkey'
'Follow the Cops Back Home (And Rob Their Houses)'
'Post Blue'
'In The Cold Light Of Morning'
'Song To Say Goodbye'
'Drag'
'Bling'
'Pierrot The Clown'

KULA SHAKER VUELVEN A REUNIRSE

12 de enero de 2006, 17h24 -- Siete años después de su separación, la banda ha anunciado en su página web su vuelta a los escenarios

Muchos descreídos hicieron oídos sordos a los rumores que apuntaban hace unos meses al regreso de Kula Shaker. Pero lo cierto es que la banda ha anunciado oficialmente su vuelta al ruedo desde su web www.kulashakermusic.com.

La disolución de The Jeevas, el último proyecto de Chrispian Mills, auguró para algunos un guiño a su anterior banda, algo que finalmente se ha confirmado.
De hecho, la formación ya ha realizado una actuación en Inglaterra bajo el nombre de The Garcons, aunque no parece que la formación tenga intención de dar carpetazo al nombre que popularizó al grupo.

Tras la discolución de Kula Shaker en 1999, Crispian Mills se dedicó a divagar por diferentes ambientes londinenses buscando la inspiración. Finalmente apostó por la formación de The Jeevas al lado del bajista Dan McKinna y del batería Andy Nixon, ambos procedentes de Straw. El grupo se desmarcaba de los sonidos orientales de Kula Shaker y bebía de influencias más rockeras. Ahora, siete años más tarde, Mills ha conseguido reunir a su banda de siempre.

YEAH YEAH YEAHS PUBLICARÁ NUEVO DISCO EN MARZO

12 de enero de 2006, 13h24 -- El nuevo álbum de Yeah Yeah Yeahs ya está acabado y saldrá a la venta el próximo 28 de marzo de este año.

Contrariamente a informaciones anteriores que hasta aparecieron en su web oficial, el título del nuevo disco de Yeah Yeah Yeahs no será "Coco Beware". Al parecer todo esto era una broma y el nombre real del álbum es "Show Your Bones", y saldrá a la venta el próximo 28 de marzo a través del sello discográfico Dress Up Records/Interscope. La cantante Karen O, el batería Brian Chase y el guitarrista Nick Zinder grabaron el álbum con el productor Squeak E Clean. El encargado de mezclarlo ha sido Alan Moulder.

Una semana antes de que salga el disco pondrán a la venta el primer single, 'Gold Lion'. Karen O ha definido así este nuevo trabajo de estudio: "Show your bones es lo que pasa cuando metes los dedos en un enchufe de la luz". En otras palabras, que nos preparemos porque traen un disco lleno de luz y descargas eléctricas.

El grupo además prepara una gira de presentación del disco y aunque todavía no se ha confirmado ninguna fecha todo apunta a que empezará el mes que viene en Estados Unidos.

OASIS NO ESTARÁN EN LOS BRITS
11 de enero de 2006, 17h24 -- Los hermanos Gallagher no tienen previsto participar en la gala, ya que consideran que su álbum ha sido el gran olvidado de las nominaciones

Liam y Noel Gallagher, principales componentes de Oasis, no tienen intención de acudir a los Brits, como se había apuntado. La banda, nominada a "Mejor Artista de Rock" y "Mejor Artista en Directo", parece estar molesta por el trato de la organización, que no ha incluido su último álbum, "Don't Believe The Truth", entre las nominaciones, según asegura el rotativo "The Sun".

Según estas informaciones, Noel Gallagher es quien se ha tomado peor la decisión del jurado. Y es que parece que la decisión de ausentarse en la gala le ha resultado muy dolorosa, ya que Paul Weller, uno de sus mejores amigos dentro de la música, recoge un premio honorífico a toda su carrera.

STEREO TOTAL PUBLICAN UN DISCO DE RAREZAS

11 de enero de 2006, 16h24 -- "Discotheque", el nuevo trabajo de Françoise Cactus y Brezel Göring, contendrá remixes, temas inéditos y nuevas versiones

Unos meses después de la publicación de su último trabajo de estudio, "Do The Bambi" (Disko B, 2005), Stereo Total ya tienen previsto la publicación de un nuevo álbum de rarezas, que dará el pistoletazo de salida el próximo 20 de enero.

"Discotheque" será el título que llevará un disco con nuevas versiones de canciones recientes, entre las que se encuentran el medley de 'Europa Neurotisch' y 'Babystrich', así como rarezas extraídas de proyectos paralelos y remixes.

Las mezclas irán a cargo de los británicos Motomark y también contarán con la colaboración de los franceses Jacno.

El track-list de "Discotheque" es el siguiente:

01. Everybody In The Discotheque (I Hate) - We Love Motor Mark Mix
02-03. Europa Neurotisch / Mother's Little Helper - We Love Polyphonic Size - Doctor Pleeease Mix
04. Mars Rendezvous - We Love Jacno Mix
05. Je réve encore de toi - We Love Taxigirl Mix
06. Babystrich - We Love Christiane F. Mix
07. Bad News From The Stars
08. Everybody In The Discotheque (I Hate) - Version By Echokrank
09. Chelsea Girls - Thieves Like Us Remix
10. Das Erste Mal - Vredus Remix
11. Troglodyten - Munk Edit
12. Das erste Mal - Justus Köhncke Remix
13. Das erste Mal - Mad Professors Dub Trip 1-4

COLDPLAY Y JAMES BLUNT, ESTRELLAS DE LOS BRITS

9 de enero de 2006, 17h24 -- Los premios de la música británica se entregarán el próximo 15 de febrero en el Earls Court de Londres

La programación de los Brits ya tiene confirmada la presencia de algunos de los músicos más representativos del año que acabamos de sellar. Coldplay, que ya juegan la liga de los grandes estadios y compiten con U2 en la categoría "Mejor Banda del Momento", y James Blunt, la gran revelación de la temporada, acapararán la atención de esta edición. La gala de los premios de la música británica se celebrará en el ya habitual escenario del Earls Court de Londres.

Otro de los nombres importantes de este año será el ex The Jam Paul Weller, que ya ha hecho pública su intención de acudir al acto, y que recibirá un premio especial como reconocimiento a su carrera.

La lista de artistas de renombre no acaba aquí: el rapero del momento, Kanye West; y la aparición de mayor impacto en las Islas el pasado año, Kaiser Chiefs, estarán con total seguridad. Es casi seguro que Oasis también estén presentes, aunque no está confirmado.

THE STROKES EN LO MÁS ALTO

9 de enero de 2006, 15h24 -- El cuarteto neoyorquino llega al número 1 en el mercado británico con su álbum "First Impressions Of Earth"

El tercer álbum de The Strokes, "First Impressions Of Earth", se ha subido a lo más alto de las listas británicas. La estrategia comercial de su sello discográfico de editar el disco a principios de año ha resultado un gran acierto.

Así, el nuevo trabajo del cuarteto neoyorquino ha conseguido lo que sus predecesores no lograron. "Is This It" (2001) y "Room On Fire" (2003), aunque tuvieron una grana cogida, no llegaron al número 1, pero sí consiguieron el segundo puesto de la listas.

Por detrás de The Strokes se mantiene en el segundo puesto James Blunt y les siguen Kaiser Chiefs y Eminem, que cae al cuarto puesto tras cinco semanas en lo más alto. Otros viejos conocidos como Gorillaz o Nelly Clarkson siguen entre los 10 más vendidos. Por su parte, Robbie Williams con "Intensive Care" se cae de la cabeza, al igual que Madonna, que baja hasta el 11 con "Confessions On A Dancefloor".

THE SMITHS NO SE VOLVERÁN A REUNIR

9 de enero de 2006, 13h24 -- Andy Rourke y Johnny Marr, bajista y guitarrista de la banda británica The Smiths respectivamente, tocarán en un concierto benéfico contra el cáncer que se celebrará el próximo 28 de enero en Manchester

Esto no supondrá ningún acercamiento entre los miembros del grupo, con el que muchos medios de comunicación británicos han estado especulando, sino que más bien será una colaboración especial para ese día desde que se separaron en 1987.

El propio Johnny Marr ha sido el encargado de aclarar a través de un comunicado oficial en su página web que se trata de una simple colaboración y que no implica la vuelta de The Smiths. Además, adelanta que actuará en dicho evento con su actual banda, The Healers, y que Andy Rourke se sumará al grupo para tocar algún tema.

Por otro lado, Marr ha confirmado la publicación para la próxima primavera del segundo álbum de su actual grupo, Johnny Marr & The Healers, formado por James Doviak, Iwan Gronow y David Tolan.

La banda ha grabado ya unas cuantas canciones del nuevo disco, como 'The Sparks Of Life', 'Reign Down The New Days', 'Run In The Dust' o 'For The True Believers', entre otras.

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ÚLTIMOS CONCIERTOS DE GRUPOS DE MÚSICA POP,ELECTRO Y ROCK EN ESPAÑA

THE RASMUS

Los finlandeses THE RASMUS visitaron España y Portugal a principios de noviembre de 2005.
Estas fueron las fechas previstas para sus conciertos en la peninsula:

2 de noviembre de 2005
MADRID
Pabellón Madrid Arena
4 de noviembre de 2005
LISBOA
Paradise Garage
5 de noviembre de 2005
OPORTO
Hard Club
7 de noviembre de 2005
BARCELONA
Sala Apolo

02 Noviembre 2005 - Sala Arena + Estirpe por Roberto Martinez - IndyRock Fotos Roula Thraka - IndyRock Estirpe eran los encargados de abrir el concierto que The Rasmus dedicaría a Madrid. Estirpe pertenece al nuevo proyecto paralelo de Universal y bautizado como "La Incubadora Records". Estos chicos defienden su cuarto LP con fuerza y honestidad. Titulado “Inventarse el Mundo” Un gran comienzo con claros singles como “Vértigo” o “América” para esta noche que se alargaría hasta horas inesperadas para un Miércoles ya que La Incubadora hacía una fiesta en una sala cercana con sorteos de discos y demás....asistirían los propios The Rasmus??? El potentísimo cuarteto finlandeses se presentaba puntualmente a las diez de la noche en el escenario de la casi llena sala madrileña Arena. Presentando lo que es su sexto disco de estudio en diez años de carrera titulado "Hides from the sun" Su cantante Auri claramente feliz por su vuelta a nuestro país saluda a la afición con un "Buenas noches Madrid!". Vestido totalmente de negro con gorro de lana incluido, el resto de la banda empiezan con los acordes de lo que será su primera canción de la noche. El concierto se alargaría hasta las once y media mas o menos y en el pudimos disfrutar de los temas mas novedosos de la banda como “ Shot” , “Dead Promises” , “Immortal” conjugados con temas de sus anteriores trabajos como First Day Of My Life” que sigue sonado fresca y contundente. Las nuevas canciones aunque no pegan igual de fuertes que sus anteriores hits son mas serias y estudiadas. Pidiendo mas de una escucha para poder entender el nuevo camino que intentan desarrollar y explorar siempre por la vía de la electricidad mas contundente y arrolladora sin olvidar esa vena tortuosa que hacen como suya la mayoría de los grupos finlandeses. (Léase Him como un fácil ejemplo) Es curioso lo bien conjuntada que está la banda. Sin apenas mirarse y sabiendo que todo irá según lo acordado la banda se dedicaba a alimentar a sus fans con gritos y sonrisas. Tras visitar en varias veces la sala Arena el sonido de The Rasmus era uno de los mejores que he escuchado. Con tan solo un guitarrista como base que da tonalidades distorsionadas o arpegios para acompañar la contundencia de su batería y lo correcto de su bajista. Ahora bien, el poderío tanto físico como vocal de Auri es apasionate. Se desvive por cada una de las personas que se empujan entre si y que intentan que sean ellos los que señale el cantante con su dedo. Un grupo casi familiar para la afición española. Han pasado ya con nota por Festimad y han visitado varias veces nuestro país. Siempre demostrando la pasión por la música y su forma peculiar de cantar al amor o al desamor! A la esperanza o a la desolación! Melodías estudiadas que parecen emanar de una forma innata de la amplificada voz de su cantante y letrista y que se funden con un muro de guitarras y contundencia rítmica a la altura de pocas bandas en la escena del metal. Estos cuatro chicos saben como hacer mover el cuerpo de los asistentes. Sin olvidarse de disfrutar ellos mismos.

FRANZ FERDINAND

Franz Ferdinand + The Rakes 22/12/05, Madrid, Arena.
El jueves 22 de Diciembre, las bandas “The Rakes” y “Franz Ferdinand” se reunieron en el “Pabellón Madrid Arena” de la capital, para regalar canciones bailables y liberadoras de estrés. Zapatillas de tela y puntera de goma iban llenando el espacio reservado para el público, mientras los teloneros “The Rakes” empezaban a tocar a eso de las 20:55 una música que para unos es una agradable mirada al punk sincopado y al pop-rock belicoso de los 80 y para otros, una horrible sensación de “esto ya lo he escuchado en alguna parte”. Presentaban su último álbum “Capture/Release” editado por V2, en el que podemos encontrar guitarras nerviosas y letras combativas. Para la gente allí presente, pareció un buen comienzo y un precalentamiento ideal para lo que la noche deparaba. Un grupo unido y un vocalista expresivo, que apoyaba sus letras con juegos de mímica y bailes convulsivos, interpretaron temas como “Retreat”, “Violent” o “We are animals” demostrando la variación posible en la voz de Alan Donohoe, tan pronto estridente como grave e incluso intimidante, en el reto de enfrentarse a los riffs guitarreros, la batería-ametralladora y el bajo sostenido de sus compañeros. Eran las 21:30 aproximadamente cuando “The Rakes” abandonaron el escenario para convertirse en público de los que ellos mismos anunciaron a viva voz: “Franz Ferdinand” Una hora transcurrió hasta el momento en el que el “gran acontecimiento” de la noche tuviera lugar, tiempo ocupado por música de sala que fue transformándose desde el britpop de pantalón de pitillo y look despeinado, hasta el estilo makinero más machacón, que el público bailó tras varios viajes a la barra. Eran las 22:25 cuando los componentes de “Franz Ferdinand” acudieron al rescate armados con sus guitarras y con melodías épicas de fondo. Sí, como de película. El pabellón lleno y una muchedumbre ansiosa, no podían presagiar más que una noche de éxito, en la presentación de “You could have it so much better” su segundo disco, editado por EPIC, que según las propias palabras del grupo formado en Glasgow, es “música para que las chicas lloren”. Llorar no creo, pero bailar, bailamos chicos y chicas todo lo que quisimos, siguiendo los ritmos de temas como “Do you want to” con una batería siseante, una voz potente y una espalda bien guardada, por parte de unas guitarras y un bajo potentes. Momentos más tranquilos, vivimos en “Walk away” aunque no por ello menos rítmicos, pues si de algo se caracteriza esta banda es de mantener, por lo general, el ánimo bien alto. Tras bailes sobre el escenario, pases de guitarra a lo AC/DC (con patada en el suelo y rasgado de guitarra), saltos desde el bombo y mucha complicidad grupal, se despidieron a las 23:25, dejando a un público ciertamente decepcionado por la brevedad de la actuación. La imagen del disco en la pantalla, era una perfecta metáfora de lo que ocurría, el público clamaba a “Franz Ferdinand” aunque como era de esperar, Alex Kapranos, Nicholas McCarthy, Bob Hardy y Paul Thompson salieron y tocaron alguna canción más, para alargar en unos veinte minutos el concierto de aquella noche. Con el aliciente de los teloneros participando en el tema de “Outsiders” se puso fin a la velada y comenzó nuestra personal cruzada, para salir del pabellón atestado de gente.

LADYTRON + LUXURY 54

17-12-05 sala Arena, Madrid
El sábado 17 de Diciembre Madrid tuvo la oportunidad de bailar de lo lindo, en la “Sala Arena” rebautizada con el nombre de “Sala Heineken” al ritmo de las bandas “Luxury 54” y “Ladytron” Eran las 20:30 cuando la vocalista María Naranjo empuñaba su bajo y nos ofrecía su especial tributo a “Mecano” acompañada de Diego Alcalá a la guitarra y a los teclados. Con su “Me colé en una fiesta” dio comienzo una noche colmada de ritmos electrónicos en los que percibíamos nostalgias ochenteras, a través de música midi y samplers de ordenador, filtradas por medio de golpes de cuerda frescos y energéticos. Sentimos el electro-pop invadir la sala en “Go on Fashion” tema interpretado por sonidos a lo “Kraftwerk” y con la amenizada puesta en escena de María, que compartía en ciertos momentos su mundo interior con el público y dejaba ver cómo la música fluía por su interior. Poco a poco, iba enseñando las piezas que componen el disco editado por Mushroom Pillow “Music for the People” desembocando en escenas de baile y caras de descubrimiento entre el público, que a pesar de su inicial reticencia, finalmente se rindió al hipnótico compás del pop eléctrico, comprimido en una píldora vitamínica de media hora, en la que la creatividad y las influencias de la música de juventud, se mezclaron en muy buenas proporciones, creando cierto síndrome de abstinencia por la brevedad de la actuación. Eran las 21:40 cuando “Ladytron” comenzó fuerte con “High Rise”, el primer tema de su último trabajo “Witching Tour”. Helena Marnie y Mira Aroyo servían de portada con su aire gótico y su estilo a lo Trevor Brown que, aunque se mostraban distantes al público, de vez en cuando esbozaban una sonrisa saliéndose del papel de “autómatas-músico-generadores”, para dejarse ver como “sujetos humano-sensibles” y demostrando su habilidad para fusionar la música electrónica con las guitarras, bajo y batería, dictando estructuras conductoras de gráfica estable, pero para nada estáticas que le otorgaban solidez a la pura energía eléctrica emanada de los cuerpos componentes de “Ladytron”, baterías inagotables de energías renovables y no contaminantes. La vibración se hizo palpable con “Destroy Everything You Touch” y los ritmos se desencajaron dulcemente en “Fighting in Buil Up Areas” Además se nos brindó la oportunidad de disfrutar de temas ya conocidos como “Evil” y “Blue Jeans” canción que sirvió de cierre a eso de las 22:35 antes de que dieran el bis aclamado por el público, en el que su anterior trabajo seguía latiendo con fuerza por medio de “True Mathematics” y “Seventeen” haciéndonos volar por medio de voces metálicas y samplers diáfanos hasta las 22:50, hora en la que se encendió la luz y la música de sala hizo abrir nuestros ojos, para darnos cuenta de que el sueño había terminado. Hasta la próxima alucinación…

"Light & magic" es el heredero natural de aquel sonado largaduración "604-" sonido Electropop de Ladytron. En un principio estaba asignada la sala 3 de Razzmatazz pero, la demanda de los numerosos curiosos de ver el directo de Ladytron les llevó a realizarlo en la sala 2 con mayor capacidad.Con la intro de Shoot in the dark del popular padre de la familia The Osbournes sirve de cortina musical. Aparecen las chicas y chicos de negro del combo Ladytron. "True Mathematics" de su último disco es el encargado de abrir la sesión nocturna del Razz, una mezcla de Kraftwerk con Human league pasado a New order, pop de lo más bailable. La immobilidad de Helena.M y Marie A. nos da la impresión de asisitir a una fiesta de autómatas danzantes. Si no fuera por la presencia de una batería y un bajo sería de lo más fría su puesta en escena. Siguen con el pegadizo "Play girl" a los que se les une "Breakfast" y "Cracked LCD". Secundados desde atrás por los sólidos teclados de Daniel Hunt y el oriental Reuben Wu encaran al público con el siguiente set. otro hit de las pistas de baile como lo es el reciente "Blue Jeans" "Movie" y "Black plastic". Ya sea tras los teclados o al frente de los micrófonos Helena y Marnie seducen con sus dulces voces a los modernos asistentes sacados de las sesiones del Mond club o del Loft de la capital barcelonesa convirtiendo la sala 2 en una inmensa pista de baile.La arremetida final es con "Discotraxx", "Turn it on" y "Light & Magic". Sin duda desde su debut en el mercado musical no se ha dejado de hablar de los nuevos reyes del pop electrónico. "Oops" fue el merecido final para esta sesión de baile para los amantes del Gel y las pistas de neón.

Biografía
En 1998, Reuben Wu y Daniel Hunt deciden crear Ladytron fijando como base el centro de Liverpool. Los dos se han pasado los últimos años viajando, pinchando en Japón, entrando en contacto con la escena parisina, y compartiendo su amor por el techno-pop de los ochenta y el krautrock. Pronto se unen a ellos Helena Marnie y Mira Aroyo, una dj búlgara que conocen durante un viaje en tren por el este de Europa. El grupo acaba de nacer, pero pronto editan su primer single, “She Took Her to a Movie”, que graban con un presupuesto de 50 libras esterlinas. Esto supone una pequeña muestra del inconfundible estilo Ladytron: teclados y cajas de ritmos de segunda y tercera mano, atmósferas ensoñadoras y cadencias al más puro estilo The Human League. El single se convierte en poco tiempo en un éxito de dimensiones inimaginables, recogiendo elogios entre la crítica y conquistando las pistas de baile de medio mundo. Ladytron poco tienen que ver con la escena de ese momento: su sonido es tan novedoso -aunque sus referentes sean tan clásicos como Kraftwerk, Young Marble Giants, The Human League... y algunos no tan clásicos como Daft Punk o Air- como su estética, entre el Glam, la ultra-modernidad y el chándal Adidas. Desde su propia discográfica editan “Comodore Rock” y pronto reciben ofertas de otros sellos para editar su LP. Pero antes editan “Miss Black and Her Friends” con Bambini Records, un EP que los consagraría como la sensación del techno-pop mundial y como la punta de lanza de la recuperación del legado de la música pop más oscura de los ochenta. Hasta Bertrand Burgalat se interesa por ellos y remezcla uno de sus temas. Finalmente firman para Labels/Virgin para Europa y para Emperor Norton para Estados Unidos (sello de Bertrand Burgalat, Miss Kitten and The Hacker, Felix Da Housecat o Arling and Cameron, entre muchos otros). “604” es su esperado debut, precedido por la edición de sendos discos de 11 pulgadas. La crítica se rinde a sus pies en medio mundo y su fama crece semana a semana. Empiezan poco después una larga gira que los lleva a los escenarios de media Europa, Estados Unidos, Japón y por supuesto Gran Bretaña. Hace pocos meses han vuelto a la actualidad con la edición del 11 pulgadas “Playgirl”, con remezclas de Felix Da Housecat, I Monster y Zombie Nation.
Helen Marnie, Mira Aroyo, Daniel Hunt y Reuben Wu son LADYTRON y vienen desde Liverpool (UK) para presentar su último y mejor álbum, “Witching Hour” (Island Records). El grupo ha hecho el disco que quería hacer, de Pop sintético, música fresca y compacta al mismo tiempo y que, encima de un escenario, se convierte en energía desenfrenada. Después de girar por Sur América (Argentina, Brasil…), USA, Europa y China… la visión musical del grupo ha cambiado y sus influencias han crecido proporcionalmente. En este disco notamos un sonido electrónico en el que la banda recupera sus raíces indies y gana en experimentación sonora. Jim Abbiss (DJ Shadow, Placebo, Kasabian…) ha sido el Productor encargado de buscar esos nuevos sonidos para Ladytron. Pero el secreto del grupo es que saben de donde vienen, cuales son sus influencias y qué es lo que quieren hacer en el futuro. Ahora vienen a España a presentar su último trabajo, “Witching Hour”, que es su disco más oscuro y más emocional y te podemos asegurar que, cuando lo escuches y veas al grupo en directo, te van a enamorar…

THE BRAVERY

29 -11-05 sala Arena, Madrid + Voicst
El día 29 de Noviembre, The Bravery aterrizaba en Madrid para presentar por primera vez su homónimo disco de debut publicado en Island Records. Esta banda que tiene su Cuartel General en la esquina de Mott y Broome, al borde de Chinatown de Nueva York, está siendo una de las sensaciones de este año. Con su garaje-rock bailable han conseguido abrir brecha, gracias a The Strokes que han abierto las puertas a muchos grupos de esta ciudad. El espectáculo en la Sala Arena de Madrid, daba comienzo sobre las 20.30, cuando aparecieron los teloneros, Voicst. Este trío holandés de indie rock calentaba la fría sala ante muy poca audiencia que iría llegando según avanzaba la noche. Presentaron su disco de debut “11-11” grabado en Nueva York con Eli Janney (bajista de Girls Against Boys). Sus tres componentes Tjeerd –cantante y guitarrista-, Sven – bajista- y Joppe –batería- gustaron a los asistentes. El bajista descalzo sobre el escenario, no dejó de saltar y animar al público, incluso se apoyó en la valla del foso en varias ocasiones. Tocaron once temas de los que podemos destacar “Upside”, “Dazzled kids”, “We are on a chemical push” y “Whatever you want from life”, en las que dieron lo mejor de si mismos. Tjeerd acabó cantando en ocasiones de rodillas y tocando la guitarra con una cerveza. Directo contundente y que podrá disfrutarse esta misma semana junto a Millionaire en la sala Gruta 77. Sobre las 22.00 la banda liderada por el cantante y guitarrista Sam Endicott, el guitarrista Michael Zakarin, el bajista Mike H, el teclista John Conway y el batería Anthony Burulcich, aparecían en la oscuridad del escenario engalanados con sus americanas y pantalones pitillo. Abrieron la actuación con “Swollen Summer”, en la que su vocalista posaba para los fotógrafos que se agolpaban en el foso, acompañados por cámaras de video que grabaron el concierto de principio a fin. Tras ésta las características notas del bajo y la batería nos adentraban en “No Brakes”, en la que el guitarrista se acercaba al borde del escenario para animar al público. Continuaron con “Out of Line” en la que el frontman sin su guitarra se hacía valer sobre el escenario acompañado por su banda. Al finalizar Sam Endicott dio las gracias al público, en su primera actuación en Madrid. A continuación presentó el siguiente tema “Give In”, en el que las influencias de los primeros discos del grupo irlandés U2 se dejan notar. La pegadiza y bailable “Public Service Announcement” comenzó con Sam Endicott subido en los amplificadores y el público dando palmas. Las luces y formas que se proyectaban en el fondo daban más cuerpo al tema, en el que el vocalista hizo volar su micro, mientras el bajista y guitarrista se juntaban en el centro del escenario. Siempre tras ellos, relegados a la oscuridad el teclista y el batería. Entonces llegó “Tyrant”, en la que Endicott y la batería nos recuerdan a The Cure. Unas luces rojas invaden el escenario, mientras cada componente se concentra en sus instrumentos para sacar lo mejor de ellos. Momento para un buen punteo de guitarra a cargo de Michael. No se podía pedir más, cuando el público estaba extasiado por el anterior tema, los neoyorquinos piden palmas al público y nos regalan su mejor single “An Honest Mistake”. Endicoot se despoja de su chaqueta y agarra su micro como si fuese a devorarlo. La gente no puede parar de saltar y corear la canción, una gran fiesta se forma en la sala. Hacia la mitad de la canción vuelven las palmas, que acompañan a un solo de batería, para terminar la canción a un ritmo frenético. Tras la fiesta, el tema “Rites of Spring” y “Angelina”, tema nuevo que ya han presentado en varios conciertos. Antes de comenzar la canción Endicott anuncia al público presente que el próximo año volverán a España, acompañando a Depeche Mode. “The Ring Song” nos traslada a The Strokes, en la que el cantante, guitarra y bajo se plantan juntos frente al público, demostrándonos de lo que son capaces. Para despedirse del público madrileño tocaron “Unconditional”. El público comienza a saltar y a bailar. Endicott vuelve a sus poses y movimientos de cadera y Michael a su guitarra nos deleita con sus solos. Así no podía quedar la noche y el público congregado en la sala lo sabía, por lo que comenzaron a aplaudir pidiendo más música de este quinteto que ha encandilado a la prensa británica. Entonces los de Nueva York aparecieron de nuevo sobre el escenario para deleitarnos con dos temas más. El primero “Oh Glory” una cara b de un single publicado en Inglaterra. Y para terminar uno de los temas más esperados “Fearless”, en que estos chicos malos se dejaban la piel sobre el escenario. Cantante, guitarra y bajo no dejaban de saltar por el escenario, al igual que el público que coreaba el estribillo una y otra vez. De esta manera concluyó una gran noche de rock, en la que un grupo apenas conocido varios meses atrás, demostraban su valentía como indica su propio nombre. El próximo año en febrero podremos volver a disfrutar de ellos y probablemente escuchar nuevos temas.

COLDPLAY

22/Nov/2005 - Palacio de los Deportes de la Comunidad de Madrid
Noche mágica y de ensueño esperada desde hace meses por los miles de seguidores de la banda británica. Todo lo que vas a leer y lo que te cuenten será poco. Si no estuviste presente ten en cuenta que has perdido la mejor posibilidad de ver al grupo mas en forma y honesto de la actualidad musical. Goldfrapp Arrancaron con "Crystalline Green" con un sonido impecable, una puesta en escena digna de una diva como Allison Goldfrapp y casi sin darnos cuenta justo cuando empezábamos a entrar en calor se fue la luz del escenario y los técnicos empezaron a desmontar la parafernalia de focos e instrumentos y a preparar el gran show. A las 21:30 exactas se apagaban las luces del Palacio y la gran pantalla del fondo del escenario se iluminaba con números y los componentes saltan al "ruedo". Los acordes de "Square One" suenan y Martin de un salto aparece en primera plana. Hablando del resto de los componentes que lucen prendas negras la sobriedad de sus gestos radica el buen gusto. En el papel de meros músicos, de grandes músicos está su belleza. Ni un mal acorde sonó en todo el concierto. Defendían sus composiciones con puro sentimiento de alguien que defiende lo bello y simple. Miradas cómplices y risas entre ellos mientras Martín da motivos mas que suficientes para que no le quites ojo porque no deja de moverse de lado a lado del escenario haciendo las delicias de todos los que estábamos cerca. Chris Martín acapara el 99% de las miradas, es el "frontman" mas espectacular que he podido ver jamás. Si a eso le añades su esfuerzo de hablar y hablar entre canción y canción en español tienes que rendirte ante el. El sonido y la acústica del nuevo pabellón acompañan y desde un principio se vio que Coldplay salían decididos a comerse a la audiencia presente. Con "Politik", su segunda canción, nos llevan remontan a su segundo y aclamado disco. Martín sentado al piano golpea fuerte sus teclas y canta como si su vida dependiera de ello. Con un final alargando los versos invita al público a cantar con el, repitiendo fuera de todo guión lo que realmente les apetece hacer sobre el escenario. En "Yellow" que es una composición que te eleva al templo de la felicidad y te hace acompañar al cantante a recitar cada verso salieron a escena los famosos globos enormes amarillos con serpentina dorada dentro, que saltaba cada vez que Martín los rompía con el mástil de su guitarra. Como los buenos vinos sus composiciones pasadas ganan enteros con el paso del tiempo. Los acordes de piano de "Speed Of Sound" el primer single de "X&Y" suenan atronadores. Tan bailable como pieza techno y que mejora sustancialmente en directo, como la mayoría de sus temas que pasados por el filtro del directo toman matices y sentidos diferentes a lo que podemos escuchar en casa con el CD. Con "God Put A Smile Upon Your Face" en la que Martin grapa al final una parodia del "Yellow Submarine" de The Beatles no es mas que una conciencia capaz de saber que por encima de su reinado actual del pop siguen existiendo grupos como los de Liverpool y que es a ese trono donde estos 4 chicos quieren llegar de la manera mas honesta que saben hacer. "Trouble" sigue siendo la canción con mas sentimientos encontrados de los oyentes. Cada uno tiene una historia pero la verdadera es la que canta al piano Chris Martin. Llena de plenitud sonora y armonías que se graban al fuego lento de luces que acompañan perfectamente los movimientos de la banda. Después de la canción "X&Y" llegó una pieza que no podréis encontrar en ninguno de sus discos..."How you see the world" se ha editado solo en Japón como bonus track de "X&Y" y posteriormente se ha incluido en el recopilatorio de "Help, A Day in the life" con canciones de otros grupos como "Radiohead". Una pieza sublime e incompresible que solo haya sido editada para el mercado nipón. Para la entrega de esta canción la banda cambia de posiciones y Martín se escora al lado derecho del escenario mientras que el bajista Guy Berryman se coloca en la parte izquierda. Berryman que ha sido el único en no terminar su ingeniería hace los coros mientras mueve unas maracas a mi parecer. Con "White Shadows" la banda nos sigue presentando su nueva obra, que gracias a las guitarras sublimes durante todo el concierto de Jonny Buckland vuelve a ganar un sitio merecido en el repertorio. Martín sigue haciendo de las suyas como cantar boca abajo apostado en una de las barandillas del escenario...espectáculo puro.... "The Scientist" otro de los hits sacados de la forma peculiar de ver las cosas hace que se enciendan mecheros y que las chicas queden fascinadas... como si de los propios Beatles se trataran con aquellos gritos ensordecedores de fans histéricas queriendo acercarse a sus ídolos. Con la base de piano y la guitarra acústica logran un sentimiento de intimidad pareciendo que tocan solo para ti. Pudimos ver la faceta mas acústica de la banda con "Till Kingdom Come" y "Green Eye" donde se echó de menos la bella "Don´t Panic". Los cuatro miembros se sitúan en la parte central delantera del escenario y defienden las canciones. Will Champion toca un órgano, Jonny le sigue con una acústica y Guy espera sentado hasta que llega la parte donde toca la armónica que después cambiaría por una guitarra acústica mientras Martín solo debe preocuparse de cantar y bromear con "Till Kingdom Come" que titulada en español por el propio Martin como "Quien quiere tocar mis huevos". "Clocks" hace recuperar la vena rockera de sus composiciones. Aclamada y aplaudida de nuevo hace cantar al unísono al auditorio. Dejando en evidencia a grandes bandas de la actualidad que buscan en retorcidas composiciones el éxito que obtienen los cuatro universitarios, porque recordemos que Will Champion el batería de la banda es antropólogo. Nada que ver con la fuerza y destreza que aplica sobre su batería donde los matices de cada tambor enriquecen aún mas las canciones mientras hace los coros en casi todos los temas. Es asombroso la conexión que logran con el público que con la puesta en escena y la facilidad con la que Martín se desenvuelve y hace reír a la gente hace que incluso en la canción "Talk" coja un teléfono móvil de las primeras filas y se lo pegue al micro para cantar a la persona que está al otro lado la canción en primicia.... cuantas personas hubieran deseado lo mismo... Merito tiene también el reportaje visual que se podía ver en una pantalla situada detrás de la banda, intercalando imágenes del directo con otras como por ejemplo en la canción "Swallowed In the Sea" donde se podía ver unas pizarras del estudio donde la banda grabó "X&Y" con los títulos de las canciones, letras rectificadas, el orden de las canciones... una pericia visual que engrandecía si aún puede ser el espectáculo. El concierto se terminaría a las 23:00 en punto, hora y media de canciones vitalistas y llenas de sensaciones en la que la banda apenas paraba entre canción y canción. Personalmente eché de menos temas como "What If" , "A Message" o la ya nombrada "Don´t Panic". Tal vez ese puede ser el único "pero" del concierto. Para terminar Coldplay apostó fuerte y entre la educación de su cabeza visible que preguntaba cada dos por tres "Todo está bien?" en español y como no las merecidas "Gracias!" a un público entregado empezó a sonar "In my place" donde se conjugan el ritmo que imprime a su batería Will Champion y la guitarra con clase de Jonny. Para terminar con un Chris Martín que baja del escenario rodeado de hombres de seguridad y corriendo se planta en una de las escaleras del palacio de deportes, rodeado de la gente que quiere tocarle. Es allí donde terminará la canción. Volviendo a toda prisa de nuevo camino del escenario para hacerse fotos con sus compañeros con cámaras de usar y tirar que regalan al público empiezan a sonar los acordes de "Fix You" que sería su última canción. El segundo single de "X&Y" suena como una nana melancólica cantada con la sinceridad de un padre joven que ve como un público fascinado canta con el. Al terminar como buenos amigos se juntan en el centro del escenario y abrazados entre ellos agradecen al público su entrega durante los 90 minutos de su actuación. Nos dejaron con ganas de mas y esperamos verles de nuevo por nuestras tierras. Otra notable hay que dárselo a la organización que sabe preparar muy bien estos grandes eventos y demuestra que las cosas bien hechas bien acaban.

servido por lauriki 2 comentarios compártelo